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Max et les Maximonstres raconte le voyage initiatique d’un enfant à la recherche de lui-même et en quête d’un nouveau royaume à la mesure de son imagination et de sa fantaisie. Le petit Max se sent incompris et veut donner un sens à sa vie. «Je n’ai pas cherché à faire un film pour les enfants; j’ai voulu faire un film sur l’enfance», explique Spike Jonze. Max et les Maximonstres offre une vision nouvelle des nombreuses facettes de l’enfance.

Max et les Maximonstres est le troisième long-métrage de Spike Jonze adaptation du célèbre livre de Maurice Sendak sorti en 1963. L’ouvrage a séduit des millions de lecteurs à travers le monde. Il figure depuis les années 70 sur la liste des 10 best-sellers Jeunesse de Publishers Weekly. Après deux films écrits par Charlie Kaufman (Dans la peau de John Malkovich et Adaptation) c’est l’occasion pour le cinéaste de montrer qu’il n’est pas dépendant de la «folie kaufmanienne».

Where the Wild Things Are, le livre (et titre original du film), ne compte qu’une vingtaine de phrases et à peu près autant d’illustrations. Or, pour faire un film de plus d’une heure trente, Spike Jonze a dû «enrichir» le récit, sans trahir la vision de Maurice Sendak. Et l’idée qui lui a permis d’avancer, qui l’a convaincu de tenter l’expérience, c’est de faire porter à chacun des sept monstres de l’histoire, les émotions parfois contradictoires qui habitent un enfant comme Max. «J’ai dit deux fois non à l’idée d’adapter cette histoire, raconte Jonze. Je ne voulais pas le faire pour le faire. Puis une idée a finalement surgi du livre, celle de faire des monstres des représentations des émotions de Max. J’ai eu  envie d’explorer ces émotions, ces sentiments. À partir de là, tout s’est mis en place.» Carol, le monstre le plus présent du groupe, incarne ainsi la colère; KW a, elle, envie de liberté; Judith voit toujours le mauvais côté des choses; Alexander se sent constamment rejeté; Ira (qui fait des trous partout) cherche quant à lui à donner un sens aux choses, à mettre de l’ordre… Pour tirer un scénario du livre, Spike Jonze a interrogé des dizaines d’enfants sur ce qui les mettait en colère ou les rendait joyeux, afin de «tirer sur les bonnes ficelles».

Les premiers plans sont la preuve que Max et les Maximonstres est tout sauf un film banal: Max poursuit à toute vitesse son chien en hurlant quand l’image se fige laissant apparaître le titre. C’est l’enfant prédateur qui se rue, en hurlant et en criant sur sa proie pour la prendre dans ses bras et la serrer très fort. Tout est déjà dit : Max, ce petit garçon plein d’énergie cache derrière son dynamisme et son animalité une soif de tendresse et d’amour.

Spike Jonze, dans Max et les Maximonstres, propose un film en apparence simple, en profondeur très complexe, puisque se met en place un réseau de liens entre l’île et la maison de Max, où règne l’incompréhension. L’île réunit en effet tous les attraits qui font rêver un enfant : on y est libre de courir à perdre haleine, de hurler à tue-tête, de construire, de détruire, de se bagarrer, de jeter des choses aussi loin que possible et, surtout, de faire tout ce qui vous chante sans avoir à en rendre compte à faire à des
adultes.

Le thème de l’enfance fragile est omniprésent : Max a toujours besoin de s’enfuir dans un lieu représentant le ventre maternel : l’igloo, la caverne en draps, la table sur laquelle travaille sa mère, la nouvelle demeure des Maximonstres en forme de sphère… On assiste même à une seconde naissance de Max lorsque pour le cacher de Carol, KW l’avale puis une fois le Maximonstre parti, elle le rejette. On comprend que c’était Max, après cette seconde naissance a changé son regard sur le monde. D’ailleurs, c’est peu de temps après qu’il décide de rentrer chez lui. C’est à travers le problème de communication entre Carol et KW que Max fait son apprentissage.Cette difficulté représente le problème que Max a à communiquer avec sa mère et sa soeur. Et quand Max grimpe sur son navire pour rejoindre sa maison, on a le coeur serré car les adieux vont êre déchirants. Mais de l’autre côté, il y a la maison, et l’avenir.

Afin de donner vie à ces géants velus, Jonze a eut l’idée de créer des costumes grandeur nature dans lesquels se glisseraient des gens pour animer les gestes des Maximonstres. Pour peaufiner le tout, une touche d’animation informatique fut appliquée sur les yeux et la bouche des masques afin de leur donner toute leur expressivité. Spike Jonze a fait preuve de retenue : peu d’effets numériques, des décors naturels et des acteurs en costumes suffisent. À cette fantaisie des images s’ajoute une beauté insulaire, dans les plans sur les paysages grandioses où les personnages deviennent infimes, ou les gros plans sur des visages expressifs et harmonieux.

Aux États-Unis, le film a déstabilisé une bonne partie du public, essentiellement des mères de famille horrifiées devant un spectacle pas forcément aimable, d’une noirceur inhabituelle.

Mais Max et les Maximonstres est un film touchant et émouvant qui nous donne une leçon de vie merveilleuse, le tout dans une ambiance musicale formidable créée par Carter Burwell et Karen O (chanteuse des Yeah Yeah Yeahs) «Mon travail consiste à écrire des mélodies simples, très enfantines, rappelant les accroches de ces grands chansons pop que vous n’arrivez pas à vous sortir de la tête», explique Karen O, qui rassembla pour ce projet des musiciens de divers groupes qu’elle affectionne.

Comment communiquer malgré les différences, construire ensemble, reconstruire encore et encore : telles sont les leçons apprises sur l’île.

Avatar était annoncé comme une véritable révolution cinématographique. Et c’en est une, bien qu’elle soit plus subtile qu’une nouveauté comme le passage du noir et blanc à la couleur. James Cameron et son équipe ont mis au point pour ce film un nouveau système appelé «performance capture», qui nous offre des images de synthèse au réalisme époustouflant. Des créatures aux qualités animales, mais dont les caractéristiques principales viennent de la race humaine, qui se meuvent de surcroît dans un univers grandiose.

Pour son film, James Cameron a créé de toutes pièces un nouveau monde, celui de Pandora, et n’a abandonné aucun détail au hasard. Tout sur Pandora a été réfléchi, pensé, (copié parfois : sur Miyazaki, pour les montagnes flottantes) : les créatures, les plantes, le concept d’Eywa… Il y a ensuite implanté le monde que l’on connaît tous : celui des hommes et de la guerre. On distingue clairement une séparation de ces deux mondes, tant par leur aspect visuel que sonore. Les couleurs de Pandora sont tropicales, vives, plutôt dans les tons bleus, verts, alors que les couleurs du monde humain sont ternes, dans les tons gris, ou rouges lorsque ces derniers utilisent le feu pour ravager une nature jusqu’alors inviolée. Du côté sonore, des bruits durs, agressifs nous entourent lorsqu’on se trouve sur le camp de base des humains, s’opposant à une mélodie aux influences africaines sur le territoire des Na’vi.

L’association des deux espèces du film (hommes et Na’vi) à l’écran est parfaitement réussie, sans que l’on puisse apercevoir quelque soudure où que ce soit. Plus impressionnant encore vers la fin du film, lors des scènes de combat entre hommes et Na’vi (ou d’amour lorsque Neytiri embrasse Jake Sully qui est alors sous sa forme humaine).

Les presque trois heures du film, que l’on peut redouter avant l’entrée dans la salle, passent assez vite, ne donnant pas au spectateur l’occasion de s’ennuyer, ce dernier étant rapidement plongé dans l’univers d’un Cameron décidément inspiré. La 3D, à laquelle hélas le temps d’adaptation est un peu long, qui gâche une partie du film (et accessoirement fait mal aux yeux), ne manque pas dans la version en 2D tant la profondeur de champ apparaît grande. Le spectateur ne regarde pas simplement un tableau en mouvement, il entre réellement dans un monde et dans une histoire.

L’histoire est, justement, ce que l’on peut reprocher au film. D’une simplicité et d’un triste commun, on peut prédire à l’avance énormément de choses. Le film est de plus très manichéen, séparant d’une nette frontière les gentils des méchants. Le scénario est déjà vu, mais simplement transposé sur une autre planète avec d’autres créatures, et remis au goût du jour grâce à un joli fond écologiste. C’est finalement pour le scénario une sorte de nouvelle version d’Atlantide, l’empire perdu (de Walt Disney), et pour la poésie et la merveille des images dans laquelle les spectateurs se laissent entraîner avec plaisir, un nouveau Abyss.

Pourtant, on passe facilement au delà du scénario simpliste. Car qui n’apprécie pas de déguster un délicieux et délicat cocktail visuel, bien qu’il soit servi avec un  scénario qui n’atteint pas la merveille de ce qu’on nous offre à voir ? C’est comparable à un plat au goût assez peu recherché, mais accompagné d’une sauce divine. James Cameron camoufle très bien un scénario qui manque de recherche grâce à une perfection visuelle à la fois poétique, raisonnablement dynamique et somme toute plutôt magique.

Oriane, élève de l’option en classe de Terminale participe cette semaine, en tant que membre du jury, au festival de cinéma Du grain à démoudre, qui se déroule à  Gonfreville L’Orcher, en Seine -Maritime. Organisé par des jeunes de 10 à 25 ans accompagnés de professionnels du cinéma, le festival Du Grain à Démoudre propose une compétition de longs et de courts-métrages inédits en présence de leur réalisateurs.

Vous pouvez consulter le scénario qui a permis à Oriane d’être retenue pour participer à cette manifestation à l’adresse suivante (le thème du concours d’écriture de scénario était: l’anniversaire)

http://www.dugrainademoudre.net/CONCOURS_SCENARIO_2009/CONCOURS_SCENARIOS_2009.html