arts à duhamel

Informations sur l’épreuve orale

Les 3°4 & les 3°2 passent lundi 21 mai,

les 3°1 & 3°3 passent jeudi 24 mai.

Chaque élève doit se présenter quelques minutes avant son heure de convocation, soit devant le CDI, soit devant la salle 108, muni de sa liste validée d’oeuvres  d’art.

Le jury décide  de l’oeuvre qui sera présentée au sein de la liste. Il n’est pas automatique, ni certain, de « tomber » sur l’oeuvre présentée en langue vivante ou sur l’oeuvre « libre ». Les élèves se retirent dans une salle surveillée 20′ pour préparer leur passage, puis exposent entre 7 et 10′, puis répondent enfin à quelques questions.

Il est donc évident qu’il vaut mieux s’abstenir de la moindre impasse!

Revoyez toutes vos oeuvres, ne dites pas tout, mais dites-le bien, en harmonie avec votre binôme et tout se passera très bien!

Les notes seront communiquées le 30 mai aux élèves, et seront intégrées à la moyenne d’Histoire-Géographie ou d’Arts Plastiques, ou de LV.

IB

Duane Hanson, Supermarket lady (in english)

First contact

This is a photorealistic sculpture, it is full scale (1m66 high) and coloured. It is named Supermarket Lady. It shows a woman with a crammed shopping cart. It was scupted by Duane Hanson in 1969. He was born in 1925 and died in 1996.

This sculpture is made of polyester resin, fibreglass and oil polychromed paint with real clothes.

Description

It’s not so easy to guess how old the woman is. She might be around forty. She is 1m66 tall and she is fat. She is wearing a pink tight top and a blue short tight skirt with blue slippers. She has a yellow necklace, a bracelet, a black shiny handbag and curlers on the head covered by a striped satin scarf. She is smoking a cigarette.

Her skin is covered with small bruises and varicose veins.

She is rather ugly. She looks tired and her look is expressionless.

She is standing pushing her shopping cart which is full of industrial products like chocolate cookies, vacuum-packed meat or coke.  There are no fresh fruit or vegetables, only packets or cans. The lady doesn’t have to cook, she just has to reheat already cooked meals.

She looks neither wealthy nor poor, she’s probably from middle class. She’s not an elegant woman and looks rather vulgar. She’s unattractive.

Impressions

It’s a lifelike sculpture and it looks absolutely real. The clothes are real. Duane Hanson wanted to show common people in their every day life.

This sculpture is a bit funny because it’s grotesque: the sculpture is too big, nevertheless, the proportions are that of a real woman. The idea of a woman going shopping with slippers on her feet, curlers on her head and a cigarette in her mouth is ridiculous, weird and even appalling. We would not see such a scene in France for example.

But the sculpture also inspires disgust and repulsion because this woman is excessive. She can be compared to her caddie which is crammed. The woman is too fat like her caddie is overflowing. Her clothes are too tight for her and her caddie is too small for her. She’s buying too much and eating too much. If the caddie was bigger, she would probably buy even more food.

However, she doesn’t seem to be satisfied of this bulimic attitude because she looks a bit sad and weary. She seems to act like a robot, she’s buying things mechanically.

This woman doesn’t stand for the  »American Dream », she’s not exactly the glamourous type. She’s in a way a victim of the mass consumption.

Interpretation

This sculpture was made at the end of the post-war economic boom, in the late sixties. The first supermarkets had already appeared and people were able to buy many things in the same place. Moreover, people did not have to cook anymore because they could buy unhealthy ready-made meals. Food-processing industry boomed and prevailed over hand-made cooking.

Duane Hanson wanted to denounce the  »American way of life » and the consequences of overconsumption. People have lost their common senses and are not even aware of being excessive and buying things they do not need at all. Duane Hanson shows us fragile and easy influenced people who are not able to refuse that society.

We feel pity for that woman who becomes a product herself and we must question the society we live in.

Parallel with other pictures

Coca-cola – Andy Warhol (1928-1987) Campbells soup – Andy Warhol

Andy Warhol also shows the mass consumption with his series of paintings of coke bottles or Campbells soup cans. He highlighted the new every day life food: no more fresh fruit or vegetables but packed products from the food-processing industry. He focused his attention on the product itself and made a work of art out of it.

Teacher : P. Gouyette

Dorothea Lange, Migrant Mother (in english).

First contact

This picture is a photograph called Migrant mother. It was taken in March 1936, in Nipomo Camp California, by Dorothea Lange who was born in 1895 and died in 1965.

It’s a black and white portrait of a woman with three of her children.

Description

Florence Owens Thompson, the mother, was thirty-two years old on the picture. Her children were probably 6 and 7 years old and 9 months old. The mother is sitting with her baby sleeping on her lap. She looks really worried and tired. She is not looking at the photographer, she is looking away. She seems to be waiting for someone or something, but maybe not.

The two older children are standing, huddling their mother and hiding their faces. They might be crying. They look destitute and dirty because they are wearing rags.

Although the mother seems to suffer from her life conditions, she looks dignified and rather graceful.

Impressions

It’s a black and white portrait so it emphasizes the sadness, the filth and the poverty of the family. The mother’s face is expressive and tells us how desperate she feels. She has no hopes for the future and for her children.

The children seem ashamed of their conditions that’s why they are burying their faces in their mother’s neck. They don’t want to show their faces on the photo.

This picture also makes us think  the mother is single or a widow and that she has to raise her children on her own, in that way, we can say that the photographer manipulates the people who are looking at the photograph because it’s not true. We know that the mother has a husband and other children. Before the photograph was taken, the family was on the road heading for Watsonville to find work and the car broke down in a pea-picker’s camp. Her husband with the older children went to town for repair while the mother and the younger children stayed in the camp waiting.

The photographer also took 5 other pictures but selected the most expressive one: the portrait which focuses the most on the mother’s face.

Interpretation

This picture was taken in the middle of the Great Depression, in 1936, 7 years after the stock market crash. Cities and most of all, rural areas were hit hard. People had to face unemployment and the collapse of personal incomes, taxes and prices. Farmers couldn’t make money from their crop. They couldn’t cope anymore.

This picture stands for the misery of the American people at that time and aims at showing the human consequences of the stock market crash. It also aims at promoting the New Deal set up by Roosevelt, a sort of economic programme which supported the poor.

Parallel with other pictures

Madonna and child (the Tempi Madonna) – Raphael (1483-1520)

The photograph can refer to the  »Madonnas » painted by Raphael which show Mary, Jesus’s mother with her child and allude to the tragic fate of her son. The mother on the photograph can’t think of a brilliant future for her children. She is aware they will suffer.

This photograph was also used by other minorities, for example African American people to denounce different issues like poverty, segregation, single-parent family, in other words to denounce a hopeless and gloomy future for children.

Teacher : P.Gouyette

Georges Rousse, fiche élève

Georges Rousse, fiche HIDA élève, à imprimer au collège

Pour les élèves de 3°1, 3°2 & 3°4

En lien avec Otto Dix

Lire http://elisabeth.blog.lemonde.fr/2012/04/27/adel-abdessemed-en-regard-de-matthias-grunewald/

Un artiste contemporain, Adel Abdessemed, livre une nouvelle interprétation du chef d’oeuvre de  l’artiste de la Renaissance Mathias Grunewald, dont nous avons pu voir  qu’ Otto Dix s’était lui-même fortement inspiré.On retrouve la symbolique de la souffrance humaine à travers les corps crucifiés.

Composition VIII, de Vassily Kandinsky

Composition VIII, peinture (huile sur toile) de Vassily Kandinsky (1923)

http://www.abcgallery.com/K/kandinsky/kandinsky37.html

« Créer une œuvre, c’est créer un monde », dit Kandinsky.

Titre : Composition VIII  ,1923 , 140 x 201 cm ,  au Musée Guggenheim, New York (Etats-Unis)

Voir : Guggenheim.org  & http://www.guggenheim.org/new-york/visit (pour le batiment de Frank Lloyd Wright) October 21, 2011–January 15, 2012  Expostion KANDINSKY au Musée Guggenheim de New York Vasily Kandinsky’s canvas, Painting with White Border (Bild mit weissem Rand, May 1913) was inspired by a trip the artist took to Moscow in fall 1912. Upon his return to Munich, where he had been living intermittently since 1896, Kandinsky searched for a way to visually record the “extremely powerful impressions” of his native Russia that lingered in his memory. Over a period of five months, he explored various motifs and compositions in study after study, moving freely between pencil, pen and ink, watercolor, and oil.

1) PRESENTATION DE L’ŒUVRE :

Vassily Kandinsky , né à Moscou en 1866 et mort en France en 1944, est un peintre français d’origine russe, est le fondateur de l’art abstrait (non figuratif : c’est à dire où il n’y a pas de représentation d’une réalité). Auteur de la première œuvre non figurative, donc abstraite, de l’histoire de l’art moderne, une aquarelle peinte en 1910. Mais on soupçonne Kandinsky d’avoir antidaté le tableau peut-être afin d’être considéré comme le créateur de l’art abstrait !

Il découvre l’Impressionnisme (le tableau de Monet, Les Meules, est exposé à Moscou en 1895) « Je n’ai pas tout de suite reconnu le sujet de cette peinture, racontera-t-il. Cette incompréhension me troublait et m’agaçait. Je sentais sourdement que le sujet manquait dans cette œuvre, mais je constatais aussi qu’il s’en dégageait la puissance d’une palette qui dépassait tous mes rêves. Le sujet n’était donc pas indispensable au tableau« . Kandinsky vient d’avoir la première révélation des possibilités d’une peinture non figurative.

Il  part étudier la peinture à Munich, puis effectue une série de voyages (France, Hollande, Tunisie, Italie, Russie) où il rencontre Cézanne, Matisse et Picasso.  Il parvient rapidement à une simplification très personnelle des formes, assortie de couleurs denses . Dès 1909, Kandinsky donne à ses tableaux des titres tels qu’Improvisation, Impression ou Composition. L’Improvisation trouve ses sources dans les impressions de la « nature intérieure », c’est-à dire inconsciente et spontanée, l’Impression trouve son origine dans l’impression directe de la nature et la Composition est une création consciente souvent précédée de nombreuses études.

Avant la Première Guerre mondiale, Kandinsky brosse des toiles abstraites sereines aux couleurs fruitées, mais le début des hostilités s’accompagne de peintures tourmentées. Durant les années 1918 à 1921, Kandinsky s’occupe du développement de la politique culturelle de la Russie bolchévique, il se consacre également à l’enseignement artistique avec un programme reposant sur l’analyse des formes et des couleurs. En 1922, il quitte l’URSS  alors que les soviétiques interdisent officiellement toute forme d’art abstrait car jugé nocif pour les idéaux socialistes et Kandinsky accepte d’enseigner au Bauhaus de Weimar (célèbre école d’architecture) en Allemagne.

Mais en 1933, comme Otto Dix, sa peinture est condamnée par le régime nazi, et l’artiste s’installe en France où il meurt en 1944 à 78 ans. Ses dernières toiles évoquent une atmosphère irréelle peuplée d’êtres microscopiques, ressemblant à des formes organiques vues sous le microscope (Bleu ciel, 1940).

 Vassily Kandinsky est certainement l’artiste le plus important de la première moitié du XXe siècle. A la fois peintre et théoricien, Kandisky a donné une nouvelle définition aux formes et aux couleurs. Après sa mort, sa femme, Nina Kandinsky, a légué l’ensemble des oeuvres en sa possession au Centre Georges Pompidou (Paris), où l’on peut voir la plus grande collection de ses peintures (avec la collection de Solomon Guggenheim). « La création d’une œuvre, c’est la création du monde« . Wassily Kandinsky.

2) DESCRIPTION DE L’ŒUVRE :

Formes géométriques  assez pures: cercles ; demi-cercles ; ronds ; triangles ; lignes courbes ; rectangles ; carrés ; traits fins ou épais

Couleurs : du blanc, beige, jaune, orange ……toutes jusqu’au noir. Apposées par aplats (surface d’une seule couleur) ou en dégradés

Perspective : profondeur– plans – lignes d’horizon – lignes de fuites – qui structurent tableau et  dirigent le regard du spectateur.

Univers onirique  (de rêves): bateau, bowling, pinceaux, moustache, immeubles, parcours de sport, système solaire, table, assiette, couverts, verre, disque, touches de piano…………chacun d’entre vous est libre d’y voir ce qu’il souhaite!!!

Composition asymétrique (rompt équilibre donc surprise et questionnement du spectateur).

3) INTERPRETATION DE L’ŒUVRE :

vidéo à projeter : http://www.centrepompidou.fr/videos/2009/20090603-kandinskyabstrait/index.html

Kandinsky donna le titre Composition à seulement une dizaine d’œuvres.

Le titre et les dimensions inhabituelles de la Composition VIII soulignent l’importance accordée par Kandinsky à ce tableau. Les auras colorées autour des cercles sont les motifs favoris de l’artiste. Dans cette œuvre, Kandinsky applique systématiquement sa conception des correspondances des couleurs et des formes. Le jaune chaud et le bleu froid fonctionnent comme deux zones fondamentales. La forme circulaire dans le coin gauche, noire et silencieuse (selon Kandinsky, le noir est égal au silence), est réchauffée par le rouge qui l’entoure. 
Les formes géométriques contrastées, les triangles qui expriment le mouvement et les cercles bien stables qui dominent, impriment à cette œuvre un effet statique ; tous les éléments s’en trouvent comme suspendus dans l’espace du tableau.

« La composition n’est donc qu’une organisation précise et logique des forces vives contenues dans des éléments sous forme de tension », écrit-il. L’ identification visuelle des formes et des principales masses colorées présentes sur la toile nécessite une observation  non seulement des formes et des couleurs utilisées dans la peinture, mais également de leur relation, de leur position  et de leur disposition sur la toile, de leur harmonie d’ensemble.

Kandinsky a d’abord réalisé de nombreuses études et aquarelles où apparaissent assez clairement des motifs figuratifs – des montagnes abruptes, un soleil, des barques avec des rameurs et d’autres figures. Ces formes individuelles deviennent, dans la peinture à l’huile, des espèces de hiéroglyphes, suspendus ou en mouvement rotatif.

Grâce à Monet, Kandinsky découvre que la couleur est beaucoup plus importante que l’objet représenté, la musique de Wagner l’a fortifié dans son sentiment que les sonorités ont des couleurs et par Rembrandt il comprit la musicalité de l’ombre et de la couleur.

Elargissement à l’art abstrait :

http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-abstrait/ENS-abstrait.html

Art contemporain au Brevet!

Une fiche dactylographiée sera distribuée à chaque élève et intégrée en Histoire des arts mi avril / début mai, selon la progression de chaque classe.

Sont concernées par ce sujet les classes de  3^ème1, 3^ème2 et 3^ème4.

Les 3^ème3 n’ayant plus de cours d’Arts plastiques au second trimestre, ils ne pourront bénéficier ni de l’approche expérimentale (par la pratique) ni de l’analyse plastique (par l’étude des œuvres).

L’artiste que nous étudierons et qui fera l’objet d’une étude approfondie est GEORGES ROUSSE.

Voici quelques informations (très très brèves) le concernant.

Georges Rousse, (1947-), est un artiste photographe français.

Il investit des lieux souvent abandonnés, en friche et destinés à la démolition (comme des ateliers, des abattoirs…), dans lesquels il réalise, après une minutieuse préparation, des fresques de grande envergure (souvent des formes géométriques). Ces fresques ne prennent sens que lorsqu’on les observe d’un endroit précis et c’est seulement depuis cet endroit, ce point de vue très précis, que Georges Rousse photographie ces interventions picturales.

Son travail oscille ainsi entre la peinture, la photographie et l’architecture.

Notions qui seront traitées dans la fiche des élèves :

Point de vue unique.

Travail in situ (œuvre réalisée uniquement pour le lieu qu’elle occupe).

Perspective / anamorphose / illusion.

Dialogue entre le présent et le passé.

La photographie conçue à la fois comme œuvre d’art et témoignage d’un geste.

Ephémérité.

Le travail de Georges Rousse s’inscrit dans les trois entrées suivantes (cf Programme histoires des arts) :

-        Période historique : XXè et XXIè siècle.

-        Domaine artistique : « Arts de l’espace »

-        Thématique : « Arts, espace, temps ».

Site internet à consulter : http://www.georgesrousse.com/

Melle OXEANT, Arts Plastiques

Spectacle théâtral et musical : HAIM, le 31 mars 2012

http://www.vingtiemetheatre.com/2011-2012/

Raconté par Anouk Grinberg, Haïm – à la lumière d’un violon retrace la vie réelle de Haïm Lipsky, violoniste juif né à Lodz en 1922 dans une famille ouvrière pauvre, devenu violoniste à force de volonté, et sauvé de l’enfer concentrationnaire grâce à la musique. À sa sortie d’Auschwitz, Haïm a rejeté le polonais et complètement arrêté la musique – sa passion, sa vocation, sa survie – pour ne plus parler que deux langues : le yiddish et le silence. Aujourd’hui, à 90 ans, il parle hébreu, et presque tous ses enfants et petits-enfants sont devenus des musiciens internationaux.
Sur le plateau, quatre voix musicales tressent le récit porté par la récitante Anouk Grinberg : le violoniste virtuose Naaman Sluchin, ex-premier violon du quatuor Diotima et petit-fils de Haïm Lipsky, qui représente son grand-père; la pianiste classique concertiste internationale Dana Ciocarlie ; et l’éclatant duo klezmer les Mentsh, composé de l’accordéoniste Alexis Kune et le clarinettiste Samuel Maquin. Résonance d’une vie à travers un siècle extrême, ce conte musical où alternent musiques classiques et musiques klezmer témoigne de la survie par l’art, de l’espoir préservé jusqu’au cœur des ténèbres et du fil de la transmission.

Mme Lair et M. Grynszpan accompagneront les élèves A/R depuis le collège.

Inconnu à cette adresse

Les élèves volontaires des  classes de 3°3 & 3°4 ne pourront pas se rendre le mardi 27 mars au Théâtre Antoine pour découvrir INCONNU A CETTE ADRESSE, de Kressmann Taylor, écrit en 1938. Plus de place à tarif réduit! La sortie est reportée  au mardi 10 avril.

Les élèves ont lu la pièce, tout en étudiant le contexte historique de la montée du nazisme et l’installation de la dictature hitlérienne en Allemagne dans les années 1920 et 1930.

http://www.theatre-antoine.com/

Epreuve orale de mai 2012 : modalités

Epreuve orale