B.A.A.BA

arts appliqués

DMA1

 COMPOSITION d‘ARTS APPLIQUES 

WORSHOP DE RENTRÉE – ARTS APPLIQUÉS / ATELIERS

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Concours pour le logo de Lire en pays autunois

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L’association Lire en pays autunois organise tous les ans la fête du livre d’autun et différentes manifestation autour de la lecture. Pours sa vingtième édition elle souhaite renouveller son image et en particulier son logo.

Concours

Les projets seront exposés lors de la foire d’Autun de septembre et de la Fête du livre

Les lauréats recevront chacun un livre sur la sculpture de la cathédrale d’Autun.

«Se projeter dans l’avenir »

PDF Sujet Logo LPA

Des aides

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L’analyse d’image : le signifiant/signifié de Roland Barthes

Observer analyser déduire_Page_2

Le logo de l’Université de Nantes et sa mise en page dans la communications des différents services

Le U et le N sont dans la continuité l’un de l’autre, exprimant le passage, des connaissances, de l’expérience…

Charte graphique Nantes

Les astuces du tracé sur Photoshop

Visite de l’exposition « Etre à Autun… »

Comprendre comment présenter son travail en faisant référence à une réflexion singulière.

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Présentation expo29:09:16

Présentation par Theodora Lanka du travail de Maxime Loiseau 

« Lit de vos rêves » et « Alcôve », une question de démarche 

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La démarche de projet en kilos de recherches

Les recherches

Le lit de vos rêves

Les lauréats du projet

Alcôve

 

Visite sur les lieux de la future médiathèque et conférence avec l’architecte

Préparer son oral

Quelques conseils

– Une présentation orale n’est pas une relation par le menu de votre démarche, même résumée. Le temps de présentation est court, vous devez donc synthétiser, c’est à dire organiser.

– En introduction mettre l’auditoire au courant du plan de votre développement lui permet de mieux vous suivre et vous comprendre.

– Dans le développement sélectionnez les références (documentaire, sémantiques, plastiques) qui sont importantes. Laissez de côté celles qui le sont moins, même si elles figurent dans votredossier. Les enseignants pourront y venir si nécessaire. – Ce qui veut dire que votre dossier n’est pas une copie conforme de votre oral.

– Vous pouvez choisir de vidéo-projeter vos documents pour soutenir votre oral, nul besoin de projeter les textes dans ce cas.

Proposition de plan pour l’oral de l’accréditation

Introduction

 – Énoncée la thématique générale en en donnant une définition qui vous  permet de présenter la ou les problématique(s) qui vous sont personnelle(s)

– Annoncé les hypothèses/pistes créatives que vous allez présenter en faisant référence à la thématique qui lui est propre et qui fait lien avec votre problématique

Développement

Présenter chaque hypothèse en convoquant les recherches dans les 4 impulsions et les analyses qui permettent

1 – d’étayer votre présentation, de développer votre réflexion

2 – de présenter les questionnements qui ont émergé de vos recherches divergentes et qui permettent de comprendre les 1ère pistes créatives

3 – de justifier vos choix en fonction de la thématique générale et de votre problématique

Conclusion

Vous pouvez présenter une hypothèse de contexte et une demande dont vous montrez qu’elle est justifiée par rapport à vos questionnements et à la piste créative que vous choisirez de développer

PDF : Préparer son Oral d’accréditation

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ATC appliqué au projet

Lit-coffre et alcôve, l’ATC appliqué au projet

PDF : Tableau chronologique des styles

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« Nos objets doivent pouvoir se reconfigurer dans un contexte ». Bouroullec

Lien vers un article de la revue Entre

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En plus et nécssecaire

La trichotomie des objets selon Pierce

Les extraits sont issus de « Eléments de design industriel » de Danielle Quarante

 

« CS Pierce, logicien américain à contribué à introduire la théorie des signes en philosophie et sciences humaines…

Transposé et simplifié à l’analyse d’un objet ou d’un produit considéré comme porteur de signes, on retrouve le schéma trichotomique des signes de CS Pierce dans les dimensions syntactique, pragmatique et sémantique de l’objet.

 

La dimension syntactique

« …La syntaxe est l’ensemble des relations qui existent entre les unités (mots, signes, symboles) formant le vocabulaire.

C’est l’objet tel qu’il se présente, tel qu’il peut-être décrit par l’ordonnancement des ses éléments constitutifs. c’est la structure du produit…. »

La dimension sémantique

« …La dimension sémantique est la dimension de l’objet lui-même et de la chose signifiée. C’est la signification de l’objet. …

La dimension sémantique des produit nous donne le sens des objets. On rentre par cette description dans le domaine de la charge symbolique, du rang, de la valeur sociale de l’image et du champ infini des connotations…. »

La dimension pragmatique

« … Ce sont les lois fonctionnelles d’utilité et de performance du produit…. »

 

En arts appliqués, il est courant de parler de Forme/ fonction/ fiction (FFF) lorsqu’on analyse un objet. La forme correspondant à l’a dimension syntatique, la fonction à sa dimension pragmatique, la fixction à sa dimension sémantique.

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Trois définitions

Stylisme, formalisme, fonctionnalisme

« …Un produit bien pensé devrait être un tout cohérent résultant de l’équilibre, de la prise en compte des différents critères et exigence du problème… »

« …En se référent schématiquement à la triple analyse de C. S. Pierce, on peut envisager trois cas :

1 Lorsque la dimension sémantique surpasse les dimensions pragmatiques et syntactiques, on aborde la notion de stylisme.

2 Lorsque la dimension syntactique surpasse les dimensions sémantiques et pragmatique, on aborde la notion de formalisme.

3 Lorsque la dimension pragmatique prédomine sur les dimensions sémantique et syntactique, on aborde la notion de fonctionnalisme… »

 

 Le DMA en .mov pour les JEMA 

«Les disciplines créatives telles que le design ou les métiers d’art apportent trois principes fondateurs qu’il faut combiner : l’empathie, la créativité, la rationalité.»

 

Cet extrait du rapport d’octobre 2015 à Mme l’inspectrice générale des arts appliqués sur l’état des lieux de l’enseignement du design et des métiers d’art synthétise les attitudes attendues d’un praticien dans le domaine des arts du quotidien.

Il vous est demandé de mettre en valeur ces principes dans une vidéo qui présentera la dynamique du DMA art de l’habitat, option tapisserie d’Autun.

Elle sera présentée au public lors des JEMA les 1er et 2 avril 2017.

  • Vous pouvez choisir de faire un montage à partir d’un reportage fait dans les salles de DMA qui présentera les principes à partir de réalisation, de situation de travail, réalisation ou recherche…
  • Vous pouvez choisir de proposer une oeuvre de fiction et jouer sur les différents niveaux de lecture et métaphore (comme nous l’avons vu dans l’oeuvre de cedric Klapish «Le poisson rouge» pour la campagne d’incitation à l’usage du préservatif dans la cadre de la lutte contre le SIDA, 1994)
  • Ou …. à vous d’imaginer …
  • Les principes fondamentaux devrons apparaître au moins au générique ( de début ou de fin)
  • Vous devez citez le DMA d’Autun au générique (de début ou de fin)

Date de rendu lundi 27 mars

PDF : Le DMA en .mov pour les JEMA

Le poisson rouge de Cédric Klapish

Réalisation des élèves

 .L.e;;P.r.o.j.e.t;;P.e.r.s.o.n.n.e.l. 

Un projet développé sur une thématique personnelle

Phase 1

Dossier de recherches divergentes et de proposition d'hypothèses

Dans cette première phase vous avez examiné vos recherches dans les quatre impulsions (recherches documentaires, sémantiques, appliqués et plastiques, menées dans l'ordre qui vous convient).

Les analyses sont menées en deux temps : dénotation (observation, description, analyse du signifiant)/ connotation (analyse, interprétation, énoncé du signifié), déduction (vous déduisez de votre examen des axes qui vous intéressent particulièrement). Chaque prise de recul vous permet d'approfondir votre réflexion et finalement de produire finalement des hypothèses (des propositions de réalisation).

C'est en analysant ces recherches et hypothèses que vous pouvez déterminer votre problématique/thématique personnelle.

En DMA2 cette phase se termine par l'accréditation.

Phase 2

Développement et réalisation

A partir de cette thématique/problématique personnelle vous allez choisir un projet que vous allez développer en fonction d'un contexte, d'une demande et d'un cahier des charges. Pour le mener à bien vous avez toujours à votre dispositions les quatre impulsions.

PDF : Projet personnel

 

La garniture

un thème d'étude pour le projet de DMA2

 

 ATC 

 

Le design du XXème siècle en phrases clé

Les débuts de la modernité et du fonctionnalisme

Au début du XXe, l’architecte américain Louis Sullivan écrit que « la forme suit la fonction », «Form follow fonction », induisant que l’esthétique d’une architecture devait découler de sa fonction.

L’architecte autrichien Adolf Loos publie « Ornament und Verbrechen », « Ornement est crime« , livre dans lequel il s’oppose à l’architecture éclectique et académique de la fin du XIXe siècle dans laquelle les éléments de décor sont plaqués sur la façade et donc sans rôle structurel.

Après la 1ère guerre mondiale Walter Gropius écrit en parlant de la 1ère école d’arts appliqués qu’il a fondé à Weimar en 1919 : « Le Bauhaus veut servir au développement d’un habitat conforme aux besoins de l’époque, du simple ustensile ménager à la maison préfabriquée… Pour concevoir un récipient, une chaise, un bâtiment, de manière à ce qu’il fonctionne correctement, on doit d’abord étudier leur nature. Car ils doivent atteindre leur but, c’est à dire et emplir pratiquement leur fonction, être durable, bon marché et beau. »

De la naissance du design industriel à la la société de consommation des années 60-mil.70

Dans les années 30 Raymond Loewy définit son travail de désigner par les principes : « Ce qui est inutile est laid. Ce qui est laid se vend mal. » et « La beauté par la fonction et la simplification.»

A partir des années 50 jusqu'aux milieu des années 7O, l'objectif du design fonctionnel est d’atteindre l’unité de la forme, ce qui s'avère possible grâce aux nouveaux matériaux issus de l’effort de guerre, et en particulier les matières plastiques : la coque polyester de la chaise DAR de Eames (1950), la chaise tulipe d'Eero Saarinen (1956) et la Verner Panton (1967) tout d'une pièce.

Dans les années 70 Dieter Rams répertorie les « dix principes pour un bon design » mettant en avant les qualités de discrétion, de practicité, d'innovation, et d’honnêteté.

De la critique de la société de consommation à la postmodernité des années 80

Déjà en 1968 un contestataire écrivait sur un mur de la Sorbonne « Objet, cache toi«

En 1976 création du studio Alchimia : Nouveau Design et production expérimentale de petites série manifestes, pour échapper à la standardisation et à la profusion d'objets de consommation.

1981 Ettore Sottsass crée le groupe Memphis qui prône une nouvelle façon d’habiter l’espace, et met l’imagination au pouvoir.

Extrait de Bibliographie TDC 564/565 oct 1990, et Le Design, tableaux choisis. Ed. Scala

3 tendances

Le XXe s!ècle

PDF : Chronologie du XXe

L'entre-deux guerre

PDF : Entre deux guerres

Le socle commun de l'architecture

Le Pavillon de Barcelone

habiter : le glissement du regard

L'école du Bauhaus

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Le Bauhaus, célèbre  école de design allemande a eu une grande influence sur l’architecture moderne et les Arts et Métiers. Le Style Bauhaus, plus tard également connu sous le nom de Style International, a été marqué par l’absence d’ornements et de fioritures et par l’harmonie entre la fonction, l’art et la technique.

Le Bauhaus de Weimar

Elle fut fondée en 1919 par l’architecte Walter Gropius à Weimar comme une fusion entre une académie d’arts et une école de métiers.

Le Bauhaus font écho aux théories des designers anglais John Ruskin et William Morris qui fondèrent le mouvement Art & craft au 19ème siècle. Ils préconisaient une adéquation entre les Beaux arts et la logique industrielle.

Il a également instauré le principe avant-gardiste que l’art et l’architecture modernes doivent être sensibles aux besoins et aux influences des pays industrialisés  et que les bons designs doivent combiner à la fois  normes esthétiques et technologie cohérente. Ainsi, des classes d’artisanat,  typographie, design industriel et commercial, sculpture, peinture ou architecture ont été mises en place.

Le Bauhaus de Dessau

En 1925,  le Bauhaus s’installe à Dessau dans un ensemble d’immeubles en verre et en béton  spécialement conçu par Gropius.

A Dessau,  le style Bauhaus est devenu  encore plus strictement fonctionnel. D’autres architectes et artistes exceptionnels y sont passé comme le peintre suisse Paul Klee, le peintre russe Wassily Kandinsky, le peintre et designer hongrois László Moholy-Nagy (qui a fondé l’Institut de Design de Chicago selon les principes du Bauhaus), le peintre américain Lyonel Feininger, et le peintre allemand Oskar Schlemmer.

Le Bauhaus de Berlin

 

Pages de Bauhaus

PDF : Bauhaus

Lien vers le cours 

Le cas Jean Prouvé

La Maison de Jean Prouvé à Nancy

années 50

 

Loger sa famille, la mettre à l’abri dans une maison individuelle. C’est ce vieux rêve de tous les français que Jean Prouvé réalise en 1954, pour sa femme et ses enfants.

La maison est constituée d’éléments préfabriqués, comme il se doit pour une maison Prouvé, mais des pièces préfabriquées que Prouvé avait conçues pour ses autres projets et qu’il a réussi à récupérer dans les stocks de son ancienne usine. Ainsi, les panneaux de la façade équipés de fenêtres à guillotine et volets métalliques, avaient été conçus à l’origine pour des maisons d’urgence, destinées aux réfugiés des régions sinistrées de la seconde guerre mondiale, tandis que les célèbres panneaux à hublots recouverts d’aluminium viennent d’un prototype de Maison Tropicale et de l’étonnante Méridienne de l’observatoire de Paris.

Cette maison de bric et de broc, dont tous les éléments s’assemblent entre eux sans problème parce qu’ils découlent d’une même pensée constructive, devient ainsi est une sorte d’abrégé de la pensée de Prouvé sur l’habitat individuel et le métier d’architecte. La maison elle même est simple: un programme minimum, une économie spartiate de l’espace et des matériaux. Cette simplicité est la marque de Prouvé.

La maison de Nancy incarne de façon particulièrement émouvante les idées et la liberté de ce constructeur de génie dont se réclament aujourd’hui aussi bien Renzo Piano, Santiago Calatrava, Jean Nouvel ou Rem Koolhas.

Prouvé_Page_2Prouvé_Page_3La maison des jours meilleurs

ProuvéLa « Maison des Jours Heureux » Jean Prouvé pour l'Abbé Pierre, années 1950

 

La maison à portique

Jean Prouvé, maisons à portiques

Lien

Le cas Jean Prouvé

En 1930,  l’architecte Ludwig Mies van der Rohe prend la direction du Bauhaus et le déplace à Berlin en 1932. En 1933, quand l’école fut fermée par les Nazis, ses principes et son travail étaient connus dans le monde entier. Beaucoup de ses professeurs émigrèrent aux USA où les enseignements du Bauhaus finirent par dominer l’art et l’architecture pendant des décennies.

Les années 80

Déconstructivisme et postmodernité en architecture et en design

 La déconstruction : une architecture de ruptures ?

La transformation des outils de conceptions

Les années 1985-95 sont marquées par des changements fondamentaux dans les domaines de l’art et de l’architecture, comme les nouvelles possibilités offertes par l’informatique.

Déconstruire ou construire autrement

La déconstruction s’oppose à toute forme de destruction ; elle constitue une attitude affirmative et positive ; elle est construction.

La déconstruction prône un goût pour la fragmentation, l’éclatement de la forme, la rotation des axes, l’entrecroisement des grilles, l’entremêlement des poutres, les murs inclinés et la juxtaposition radicale des matériaux.

Architecture de la rupture, de la dislocation, de la distorsion et du déséquilibre, elle se détache des formes rectilignes et orthogonales de l’architecture modernistes.

Acte de naissance de l’architecture déconstructiviste

La déconstruction en architecture trouve son point d’ancrage dans l’exposition new-yorkaise de 1988, Deconstructivist Architecture, rassemblant 7 architectes : Coop Himmelblau, Peter Eisenman,  Daniel Libeskind, Franck O’Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, et Bernard Tschumi.

A l’origine

Le « Constructivisme »

Les opérations de distorsion, de dislocation ou d’interruption sur les structures et la géométrie appliquées par les déconstructivistes, sont en partie issues des transformations utilisées auparavant par l’avant-garde russe des années 20. Les formes créées par les artistes constructivistes ne proviennent plus d’une composition classique. L’avant garde russe rejette les beaux arts traditionnels ordonnée au profit d’une géométrie instable, de la profondeur et d’une dynamique au rythme cinétique.

Liens : 1 

Le Modernisme

Le mouvement moderne qui se développait au même moment rappelle l’esprit des projets révolutionnaires du Constructivisme, par son utilisation des formes abstraites, son refus de l’ornement, son vocabulaire structural (poteaux, plan libre, fenêtres horizontales). Mais il substitue l’esthétique élégante du fonctionnalisme à l’instabilité des projets de l’avant garde russe par l’utilisation du tracé régulateur en particulier.

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Le déconstructivisme

Gordon Matta-Clark

 L’artiste américain Gordon Matta-Clark (1943-78) refaçonne les immeubles vides notamment en y découpant des fragments. Ainsi, il transforme l’architecture en sculpture, il met à nu l’âme d’une bâtisse : “to convert a place in a state of mind.”

Coop Himmelbau

 L’Open House de Coop Himmelblau (1983-1992), cette maison fut conçue à partir d’un dessin les yeux fermés. L’effet d’instabilité, d’inachèvement et de morcellement fait littéralement voler en éclats la géométrie orthogonale de l’immeuble rationaliste que l’on voit d’habitude. Elle est « ouverte » vers le ciel à travers la transparence de ses matériaux et l’interpénétration de ses volumes.

Peter Eisenman

 La Guardiola House de Peter Eisenman, projetée au flanc d’une colline, au bord du déséquilibre, se décompose rationnellement en une succession de volumes tronqués, fendus, penchés et disloqués, les déboîtements successifs d’un cube multipliant les ruptures.

Le Monument à l’holocauste à Berlin, est composé de stèles parallélépipédiques régulièrement espacées sur une trame et de plus en plus haute vers le centre, ce qui crée une sensation de perte de repère comme lorsqu’on est dans un labyrinthe labyrinthe.

Bernard Tschumi

 Au Parc de la Villette situé à Paris de Bernard Tschumi (1983), 25 folies transforment l’espace en promenade. Les folies (exemple de la n°7) résultent de l’éclatement d’un cube de 11 mètres de côté et de sa recomposition en d’infinies possibilités, mi sculptures, mi architectures.

Clin d’oeil

BD « Dans la fièvre d’Urbicande », de Peters et Schuiten, un architecte est le spectateur impuissant de l’expansion d’un réseau cubique qui va bouleverser l’ordonnance de la ville qu’il a construite.

 Lien PDF : Déconstructivisme, Tschumi

 

Conclusion

« Les projets déconstructivistes ne classent pas définitivement les architectes qui les ont conçus dans une catégorie stylistique. Ils marquent plutôt une époque pour rappeler que ces concepteurs ont participé à un travail commun sur l’architecture en gardant distinctement leur langage architectural.

Ces projets ont la capacité de déranger notre façon de penser les formes et leurs fonctions. Pour prendre un élément courant dans le vocabulaire architectural : le mur, sa disposition et ses différentes formes remettent en question la division des espaces intérieurs et extérieurs. La géométrie s’avère être plus complexe et la notion de protection ou de cloisonnement que procurent une pièce ou un ensemble bâti en est dérangée. La fermeture n’est pas simplement remplacée par l’ouverture du plan libre moderne, mais le mur est mis en tension, déchiré, plié. Il ne procure plus la sensation de sécurité en partageant le familier de l’étranger ou l’intérieur de l’extérieur mais toute la notion de clôture ou d’enceinte est décomposée.

Ce processus de subversion, au delà de toute idéologie ou folie de ses créateurs, démontre les multiples possibilités de combinaison du vocabulaire architectural trop souvent cristallisé dans l’architecture traditionnelle. »

Extrait de « Pourquoi déconstruire l’architecture ? » de Pierre Grenier

En +

Postmodernité en architecture

La Piazza d'Italia, de Charles Moore, Nouvelle-Orléans, 1978

Postmodernité en design

Tea and Coffee Piazza, Alessi

 Mickael Graves

 Charles Jenks

 Richard Meier

 Aldo Rossi

La Conica d'Aldo Rossi, de l'urbanisme au paysage domestique

la Conica est-elle postmoderne

La forme générale et le fonctionnement de cette cafetière est à la fois caractéristique d’un objet de design fonctionnel, mais elle est aussi un objet a fort pouvoir évocateur, poétique et ludique. Ce qui nous amène à nous demander en quoi elle est d’ « après le moderne », en fait en quoi elle est représentative de la postmodernité. Cylindre scindé en 2 , couvercle conique sans charnière, donnant son nom a la cafetière, surmontée d’une sphère servant de poignée. Bec verseur comme une feuille pliée de la même matière que la cafetière mais en déport par rapport au cylindre. Poignée réduite à sa plus simple expression : un signe graphique, un fin L inversé. Cette géométrie pourrait rappeler l’esthétique des objets du design fonctionnelle des année 50, d’autant plus que chaque volume ou forme répond aux différentes fonctions de la cafetière à pression : verticalité de de la forme répondant à la verticalité de l’opération de préparation du café utilisant le système de pression, l’eau portée à ébullition dans un réservoir bas imprégnant la poudre de café placé dans un filtre et montant par une cheminée dans une chambre haute à l’état de boisson café, … contenir, verser, prendre en main, fermer etc, Chaque élément constituant cette cafetière a une fonction, on la vu plus haut. Le procédé reprend celui de célèbre cafetière à moka italienne en aluminium des année 50, objet fonctionnel par excellence, représentatif du design des arts ménagers des 30 glorieuses. Cet objet on le voit, a donc bien à voir avec un objet moderne fonctionnel, d’autant qu’il se met au goût du jour en utilisant la technologie plus récente de l’inox. On peut la rapprocher du combiné radio tourne-disque SK4 de Hans Gugelot – Dieter Rams de 1956, qui suit les préceptes pour un bon design du même Dieter Rams : à savoir arborant des qualités d’honnêteté et de simplicité formelles et d’humilité … : un parallélépipède fait d’une tôle pliée peinte en blanc, bordée de 2 plaques de bois pour recevoir le mécanisme et les enceintes, et d’un couvercle de Plexiglas transparent qui laisse voir les éléments simples de mise en marche de l’appareil, boutons, bras de l’électrophone etc…d’une technicité non ostentatoire. Cependant, le choix de n’avoir pas de charnière au couvercle de la Conica, ce choix de simplicité formelle est surtout la conséquence de ne pas vouloir rendre la forme moins lisible, celle d’une tour, minaret rappelant les origines orientales du café, ou tour gothique puisée dans la mémoire de l’enfance de l’architecte. Cela nous indique que nous somme bien dans une perspective autre que celle du design fonctionnel. De la même manière, la complexité des opérations mises en oeuvre pour réaliser cet objets, plusieurs opérations d’emboutissage d’un cercle de métal étant nécessaire pour obtenir cylindres et cône, nous éloigne du fonctionnalisme rationnel, qui optimise fonction, matériaux, procédés de fabrication et coût. La Conica rappelle les Tea and coffee piazza édités par Alessi, présentant la même dimension fictionnelle en lien avec la poésie de l’architecture du passé, tours carrées et cannelures de l’ensemble de Michael Graves, colonne grecs de celui de Charles Jenks… en cela ces objets sont postmodernes, littéralement d’après le moderne, car ils font références a des formes du passé, souvent puisées dans le vocabulaire moderne, à l’ordonnancement géométrique, le même qui prévalait dans l’architecture grecque mais poétisées, anecdotiques, les tours carrées et cannelées du Tea and coffee piazza de Michael Graves rappellent un jeu d’enfant par leur changement d’échelle, et leur décor de perles bleues, et qui vue du dessus ressemblant à des biscuits décorés, nous ramène au cérémonial, à la collation prise ensemble, la fonction principale n’étant plus seulement de servir, mais de poétiser notre quotidien et d’être subversif, en créant de nouveaux liens entre objets et utilisateur, ce qui pourrait bien être une définition de la postmodernité ?

En plus Studio Alchimiagroupe Memphis

Contexte artistique 60-70- 80

Regard croisé EGG/Sacco

PDF : Egg:Sacco
les année 50 vs les années 70... vers la société de consommation

Ce qui change c'est la demande : plus de liberté, les matériaux : nouveaux, les moyens de production : moins cher, plus efficaces... et une aspiration à s'affranchir de la société de l'après-guerre de "papa"

Egg, ArneEgg Chair , Arne Jacobsen, années 50

Sacco, Piero Gatti, Cesare Paolini, Franco Teodoro, années 60

Graphisme

Utiliser la grille ou pas ?

1 Les années 50, les grilles de Mise en Page

Un travail sur l'hyper lisibilité

Lien vers la page du site de Peter Gabor consacrée à Josef Müller Brockman

2 Neville Brody

Les années 80 la Postmodernité 

La grille détournée

 3 La typo-plasticienne de la fin des années 80

The man who kill the grid

Lien vers la page consacrée à David Carson sur le site de Peter Gabor

Lien vers le site de David Carson

Que dit David Carson ?

 

Cette double page de David Carson est composée en 2 parties qui forment un rectangle d’or. On voit dans le carré de gauche, une représentation humaine de couleur rouge sur un fond jaune uni solaire. Ses formes sont géométriques, un cou très allongé reliant une grosse tête à un petit buste. Le  nez, la bouche et les seins sont représentés graphiquement. Symétriquement, une silhouette dessine un arc de cercle dans le rectangle de droite. C’est un buste de femme photographiée en contre jour, flou ecomme mangée de lumière du côté où elle est tournée, vers le carré jaune. Ces 2 formes féminines (?) restent énigmatiques parce que leurs formes et leurs couleurs sont simplifiées et ainsi les font ressembler à des idoles primitives. 3 autres éléments nous induisent dans cette interprétation. Ils sont eux aussi assez mystérieux : 2 bandes bleues claires en arc de cercle et terminées par des sortes de doigts symbolisant peut-être des bras en mouvement. Ils entourent une formes embryonnaire verte. Ce qui peut nous éclairer pour l’interprétation de ces signes est sans doute le texte qui  lui fait pendant et se compose dans la partie haute de page de droite. Elle relie le carre jaune et le rectangle photographique. Les mots « what gives unity and coherence to intuition is feeling » se superposent et forment une vague. Les lettres sont de différentes tailles et la césure n’est pas à sa place. Le texte est à peine lisible car les mots se chevauchent, on peut le lire différemment, feeling et intuition pouvant s’interchanger…. Encore du mystère… Or dans son travail, David Carson laisse la place à l’expression libre plutôt qu’à exprimer la « visibilité/lisibilité » du message. Pour lui , la cohérence de la composition est une recherche perpétuelle d’équilibre entre intuition et ressenti (intuition and feeling). On pense bien sûr à l’équilibre du surfer (et l’on sait que Carson en est un) dont les bras forment un arc de cercle, à l’avant et à l’arrière du corps (comme les arcs de cercle bleu ciel), cherchant la sensation sur la crête de la vague, mais aussi cherchant une compréhension intuitive, une osmose (coherence), à faire un (unity) avec les forces de la nature. On pense au formes d’art que l’on dit primitives dont les canons de représentation s’écartent de l’idéal figuratif occidental, au bénéfice de l’expressivité : les silhouettes humaines, la forme embryonnaire ont une présence énigmatique et primordiale, rappelant la naissance… jusqu’à l’eau (la mer)…. Cette composition invente (fait naître) un autre  langage graphique en brisant toutes les règles de la lisibilité… Tout cela est en quelque sorte exemplaire du travail graphique de David Carson, nommé dans le milieu des graphistes « The  Man who killed the grid ». A la trame constructive qui assure la cohésion des compositions de Brockmann par exemple et est représentative de l’exigence de l’école graphique Suisse, il oppose ici les arts primitifs. Quand au rectangle d’or, ce rapport que l’ont ressent comme harmonieux, on le trouve dans l’art depuis l’antiquité et dans la nature, du nautile à la pomme de pin. Tout cela dit la richesse d’un langage qui se renouvelle sans cesse en puisant intuitivement ces ressources dans  notre héritage, qu’il soit personnel, culturel ou  issus de notre rapport à la nature.

Lien vers le PDF : Brockman Brody Carson

Lien vers Des débuts sur In design

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