Ah ! New York, 1930 ! La découverte par l’astronome américain Tombaugh de la neuvième planète du système solaire Pluton, le début de la construction de l’Empire State Building, et bien d’autres… Mais qu’en est-il de l’art, l’écologie New-yorkaise ?
Aujourd’hui Louise Nevelson est à l’honneur, née en 1889, sculptrice et peintre New-Yorkaise d’origine Ukrainienne. En 1920, elle étudie le chant, le dessin, mais aussi l’art dramatique. Elle suit des cours de peinture à « L’art Students League » de New York. C’est à partir de 1933, qu’elle expose ses œuvres picturales aux États-Unis. Entre 1934 et 1945, elle se tourne vers la sculpture. Dès lors elle étudie tous les matériaux en rapport avec son nouveau métier, la terre cuite, l’aluminium, le bronze, au « Sculpture Center ».
Elle est qualifiée comme l’une des premières femmes à montrer ses sculptures dans les années 50. Elle n’est pas très connue en Europe, car les dimensions de ses œuvres sont monumentales et compliquées à transporter.
Ses œuvres (boîtes) font partie du mouvement de l’expressionnisme abstrait. Son but artistique était d’utiliser des objets du quotidien mis à la décharge, ou des objets trouvés, et créer des assemblages pertinents. Elle utilise des caisses en bois qu’elle imbrique selon un dessin réalisé au préalable, elle cloue, colle, rive, d’autres déchets, en ajoutant du plexiglas ou des miroirs… Elle recouvre ses sculptures d’une couche de peinture noire dans un premier temps puis par la suite, elle utilisera du doré ou du blanc. Elle qualifie le noir comme étant dédié à l’aristocratie, le blanc par le deuil et les promesses. Plus tard, elle introduira le plexiglas pour des effets de transparence. Ses sculptures sont alors plus lumineuses et rencontrent un énorme succès. Son but est de supprimer la fonction initiale de l’objet, le recycler et le détourner du fait que l’on ne puisse plus ou très peu le reconnaître.
(attention histoire…)
« Il était une fois une jeune Ukrainienne du nom de Louise Nevelson qui se mariait avec un homme beau et riche. Elle était vêtue de blanc. Quelques années plus tard, la jeune femme divorçait en noir de cet homme qui voulait la contrôler. » À cette époque, le divorce n’était pas très courant ni bien perçu. Par la suite, elle construit une Chapelle-Blanche illustrant son mariage.
Un peu répétitif non ? Tous ces objets entassés symbolisent des autels laïcs mystérieux pouvant être destinés à l’industrialisation naissante.
À partir de 1957, elle se démarque des autres avec son style : des immenses sculptures murales, avec la même valeur ritualiste ou totémique que les œuvres de ses collègues expressionnistes abstraits, c’est-à-dire l’utilisation de ce mouvement en arme politique.
Remarquons l’esprit avant-gardiste de cette Ukrainienne, qui représente l’indépendance, la force (porter des objets lourds pour ses sculptures monumentales), la mixité avec sa culture incluse dans l’art New-yorkais. Elle apporte un nouveau style tant dans la réutilisation d’objets défectueux, que dans l’emploi de ces couleurs sobres qui sont toujours d’actualité. L’emploi de formes géométriques démesurées.
En appréciant ses sculptures, on peut comprendre les valeurs que cette femme veut nous faire passer, l’idéologie politique des États-Unis durant la Guerre Froide.
Ses œuvres ont été remises au goût du jour, grâce à la fondation Louise Nevelson qui met en relation les problématiques actuelles comme l’écologie, l’indépendance des femmes, et l’excentricité humaine. Le seul endroit où nous pouvons admirer les œuvres de Louise Nevelson en France est au Musée de Peinture et de la Sculpture, à Grenoble.
À votre avis ? Comment peut-on exploiter les objets jetés dans l’art contemporain ?
Par Mia Bonnetti DNMAde24 Horlogerie Octobre 2022.
