Débats de société – Les Humanités des DN MADe mortuaciens

La représentation du corps traduit-elle une destruction de l’identité ?

A l’ère de la communication mondialisée il me semble pertinent de vous présenter le travail artistique du duo Aziz et Cucher véritable remise en question de notre usage des technologies.

Tous deux issus du San Francisco Anthony Aziz et Sammy Cucher travaillent depuis 1990 sous le nom logotypé de Aziz+Cucher. Leurs œuvres et points de vue sont principalement énoncés par la photographie digitalement modifiée.

« Chaque image, chaque représentation est devenue aujourd’hui une imposture potentielle «

C’est à travers la série de photos nommée « Dystopia » sortie en 1995 que le duo nous présente de grands portraits défigurés, l’opération de gommage débouchant sur l’obstruction de tous les orifices dédiés à nos sens disparaissent sous une épaisse couche de chair, sous une peau qui les prive d’échanges avec l’extérieur. Derrière le mutisme de la peau, le visage silencieux devient impersonnel. L’identité du portrait, comme celui des autres œuvres de la même série, est dissoute, décomposée, déshumanisée.

Dans les photographies, la manipulation est évidente. Les visages semblent fermés sur un cri silencieux. De cette façon les artistes mettent l’accent sur tout un tas de questions liées à l’identité : la possibilité de cloner un jour d’autres êtres humains, l’angoisse qui peut surgir des manipulations génétiques mais aussi la perte d’identité de l’homme dans sa relation et son association avec le virtuel. Symboliquement les portraits nous montrent la mutation fatale de cette société, privée de liberté et d’échanges avec l’extérieur, et littéralement asphyxiée.

Les visages seraient comme connectés à un autre monde, virtuel, rendant le corps inquiétant et morbide. La cyberculture a levé de nombreuses barrières qui existaient jusque là entre les individus. Mais à en croire ce portrait, le phénomène ne serait pas sans conséquence pour l’individu lui-même. Le sujet est entièrement absorbé, englouti, néantisé. À travers la connexion et le couplage homme-machine, se joue non seulement la disparition du corps, mais aussi la perte des caractéristiques individuelles. Edmond Couchot nous explique que ces « êtres appartiennent à un univers virtualisé aux infinies possibilités, où l’engagement du corps est devenu obsolète. Téléprésence, téléactivité, cybersex, la prothèse technologique appelle la disparition des organes et des sens vitaux. De là ces êtres qui ne sont pas amputés mais dont les sens ont disparu suivant un processus qui semble presque naturel, la peau ayant repris ses droits sur des orifices devenus inutiles. Ce constat terrifiant sous-tend la nécessaire réappropriation du corps face au corps virtuel et bouleverse les conventions du portrait. »

Ainsi ces photographies agissent elles comme un récit d’anticipation contre utopique qui nous mettrait en garde contre d’hypothétiques mutations fatales de l’humain et de la société, technologiquement refondés. ces œuvres agissent de façon métaphorique comme des avertisseurs, appuyant visuellement sur nos craintes, en nous montrant des figures redoutées. Un mouvement général de transformation du réel par les technologies est en marche. Le corps, la société, mais aussi notre environnement naturel, se trouvent profondément affectés par ce phénomène en expansion rapide. La plupart des utopies technoscientifiques des décennies passées sont en train de devenir des « faits accomplis », ouvrant la voie à de nombreux espoirs, tout autant qu’à de potentielles dérives.

« La réalité virtuelle introduit une autre forme de dédoublement de l’homme et de son corps. En transformant le monde en information, la cyberculture efface le corps, elle modélise la perception sensorielle, réduite le plus souvent à la vue, à la seule protubérance d’un regard fonctionnel. »
David Le Breton

EMMA G. – DNMADeJo1.5 – Avril 2023

De l’impuissance à la prise de conscience

Malgré leurs aspects romantiques, les œuvres de Gail Potocki, de plus près, dénoncent les agissements de l’Homme envers la nature et le désastre environnemental.

Complètement idyllique au premier regard, où la nature et la vie sont omniprésentes, un sentiment d’inconfort anxiogène s’instaure rapidement à travers ses scènes. On se demande très rapidement la cause du désastre et comment cela a-t-il pu se déclencher.

Les femmes en personnages principaux, sont décrites d’après l’artiste, comme des « doublures de l’humanité », leur beauté séduit à première vue les spectateurs, elles sont les leurres qui attirent l’oeil et détournent les drames qui les entourent.

“Following the Straight Line of a Circle” by Gail Potocki (2013)

Dans cette œuvre, les chiens semblent rongés par leurs propres existences et celle des autres. Sont-ils maltraités? Sont-ils seulement nourris ? Il semble que de nombreux problèmes sautent aux yeux, notamment les os et les corps, des précédents, encore en décomposition. On peut relever également la peau encore saignante sur le sol, clin d’œil évident au monde de la mode et de la maroquinerie actuelle. La principale déclencheuse de cette scène garde évidemment l’air apaisé et calme, détournant le regard pour ignorer ces dommages.

Ces tableaux invitent à la compassion, et à réfléchir sur notre rôle quant à la dévastation de la flore et de la faune.

La compassion du public se dirige nettement plus du côté des créatures que nous souhaitons soutenir, assez ironique, étant également tous responsables des récits, malgré leurs aspects fantastiques et fictifs.

On aimerait, évidemment, que plus d’artistes (mais pas que) abordent plus ces préoccupations et inspirent l’homme à AGIR.

Julie L. – DNMADe Jo 1.5 – Avril 2023

The Teeter-Totter Wall, la frontière qui rapproche

Le projet “Teeter Totter Wall” est une installation éphémère qui fut imaginée par les artistes architectes américains Virginia SAN FRATELLO et Ronald RAEL. Ce projet est constitué de trois balançoires roses ayant des assises colorées ; introduites dans le mur servant de frontière entre le Mexique et les Etats-Unis, plus précisément entre les villes de Ciudad Juárez et d’El Paso. Les deux artistes architectes ont mis une dizaine d’années pour réfléchir à ce projet qui ne fut installé que 20 minutes le 28 juillet 2019.

Le Teeter Totter Wall a pour but de montrer que malgré les difficultées politiques entre les deux pays, il reste une connection possible entre les individus, c’est pour cela que les enfants et adultes, Texans et Mexicains habitants dans les alentours furent invités à jouer ensemble malgré le mur de 6 mètres de haut.
L’architecte R.RAEL affirme que “Ce qui se fait d’un côté de la frontière à des effets de l’autre côté également, c’est exactement comme cela qu’agit la balançoire à bascule que nous avons installée”.

En 2020, ce projet à reçu le prix du “Beazley Design of the Year”, un des prix les plus prestigieux dans le monde du design, qui est attribué à des projets et des produits qui contiennent de puissants messages de changement. Cet évènement est organisé annuellement par le Design Museum à Londres. Lors de la remise des prix, Tim MARLOR, le directeur et chef exécutif du Design Museum à annoncé que :

“ Le Teeter Totter Wall à su encourager de nouvelles façons d’interagir les uns avec les autres. […] C’est un rappel inventif et poignant de la capacité des humains à dépasser les forces qui tentent de les séparer.”

DUCLOS Coralie DNMADE 1 Ho – avril 2023

Imponderabilia, de l’art à la sociologie

En juin 1977, à l’entrée de la galerie d’art Moderna de Bologne en Italie, les artistes Marina Abramovic et Ulay se sont tenus debout, complètement nus dans l’encadrure de la porte d’entrée pour leur projet “Imponderabilia”. Ils étaient l’un en face de l’autre, occupant presque tout l’espace qu’offrait la porte, au point où le public n’eut pas d’autre choix que de s’appuyer sur l’un des deux artistes pour entrer voir l’exposition. C’est alors que le peu d’espace qu’il restait entre les deux artistes forçait le spectateur à devenir acteur. Le but de cette œuvre était de faire réfléchir les spectateurs sur leurs croyances et leur comportement, notamment en leur faisant ressentir un sentiment corporel inhabituel, qui quelque chose de dérangeant et même gênant – surtout avec des inconnus.

Cette performance était quitte ou double pour le couple qui ne savaient même pas si les spectateurs allaient comprendre le concept, ni même s’ils allaient jouer le jeu. C’est de là d’où vient le nom “Inponderabilia”, qui se traduit par “Impondérabilité” en français et signifie la qualité de ce que nous ne pouvons pas prévoir.
De plus, ce fut une grande appréhension pour M .Abramovic qui à été agressée lors de ses précédentes expositions tel que “Rithm 0”, où 72 objets en tout genre (de la plume au révolver) étaient posés sur une table mise à disposition des spectateurs qui avaient le droit d’utiliser ces objets sur l’artiste comme ils le souhaitaient. Cette expérience lui a fait conclure :

« Ce que j’ai appris, c’est que si vous laissez le public décider, ils peuvent vous tuer. Je me suis sentie vraiment violée : ils ont découpé mes vêtements, planté des épines de rose dans mon ventre, une personne a pointé le pistolet sur ma tête et un autre lui a retiré. Cela a créé une atmosphère agressive ».
Marina Abramovic

Ces projets nous montrent que de simples projets artistiques peuvent devenir un miroir du monde dans lequel nous vivons. Et même si nous faisons des gestes aléatoires, il y aura toujours une foule pour nous démontrer que rien n’est lié au hasard, mais que notre inconscient reproduit seulement ce que nous apprenons sans le savoir depuis tout petit.

Les spectateurs avaient le choix de s’appuyer soit contre Marina, soit contre Ulay. Autant nus l’un que l’autre, les artistes évoquent la pureté et l’honnêteté de cet art. Mais d’un autre côté, ce sont de vraies questions qui se posent pour ceux qui essayent de passer la porte. Est- ce la seule entrée ? Contre qui s’appuyer ? Le projet s’est révélé être une expérience de genre, car tous les hommes se sont appuyés contre Marina sans aucune hésitation, tandis que les femmes mettaient un peu plus de temps pour décider contre qui elles allaient se tourner et nombreuses d’entre elles ont détourné le regard, essayaient de se heurter le moins possible à la peau nue des deux artistes. Les sociologues sont formels. Le fait que chaque personne doive décider qui elle va regarder en passant est important. Les hommes se sont rapidement appuyés contre le corps de la femme, ce qui pourrait être une recherche inconsciente de plaisir, une démonstration de supériorité, ou encore une manifestation de la peur d’être exposé à l’intimité d’un autre homme.

DUCLOS Coralie

DN MADE 1.Ho

février 2023

Wednesday, œuvre de l’année 2022 ?

Netflix, 23 Novembre 2022

Basé sur l’univers de Tim Burton, qui d’ailleurs en est le directeur, la série suit la famille Addams, plus précisément la fille ainée prénommée Mercredi.

La série illustre la vie de la jeune fille, qui se retrouve dans le lycée de ses parents après s’être fait renvoyer du précédent, ainsi que les épreuves diverses auxquelles elle va devoir faire face.

Easter Egg : Un visage familier

En 1991, Christina Ricci, âgée de seulement 11 ans, jouait Mercredi dans le film devenu culte «La famille Addams». Deux ans plus tard, elle reprenait son rôle dans la suite, «Les valeurs de la famille Addams» (1993).

Christina Ricci et Jenna Ortega dans leurs rôles de Mercredi Addams

Cette fois-ci elle ne joue par Mercredi Addams, interprétée par Jenna Ortega, mais Marilyn Thornhill, une surveillante de l’Academie Nevermore où la fille de Morticia et Gomez fait son entrée.

Christina Ricci, dans le rôle de Mme Thornhill

Société hypocrite?

La célèbre trend de la danse de Mercredi Addams, montrée lors d’une scène de bal dans un des épisodes, est source de débat dans le domaine des critiques.

Sur TikTok, des edits de la scène, des cosplays de Mercredi et des reprises de la chorégraphie abondent. À noter que la chanson sur laquelle ces tiktokeurs dansent n’est pas celle de la séquence originale mais une version accélérée de “Bloody Mary” de Lady Gaga. Le hashtag #wednesdayaddams cumule à lui seul plus de 5 milliards de vues.

Bonne nouvelle ? Dans l’idée, oui. Mais cette soudaine glamourisation du mouvement gothique est problématique pour beaucoup de membres de la communauté, qui rappellent à juste titre à quel point ils souffraient de moqueries dans la cour d’école il y a quelques années. Car, en réalité, quand on voit une personne danser comme ce personnage, notre première réaction serait non pas de l’imiter, mais plutôt de jeter un regard ou des commentaires désapprobateurs.

Certain.es gothiques se sont donc emparés du sujet pour publier toute une série de TikToks au sujet de la série et sensibiliser le public :

@romlldr
♬ original sound – heyy

Conclusion: Admirer Mercredi pour son style badass, pas de soucis, mais effacer d’un clin d’œil des années de discrimination et essentialiser tout un mouvement à une seule figure, c’est moyen. Le mouvement gothique n’est pas un effet de mode mais une véritable esthétique, avec ses références culturelles, sa littérature etc.

L’actrice Jenna Ortega l’a d’ailleurs bien compris : elle a révélé avoir elle-même chorégraphié la danse, quelques jours seulement avec le tournage de la scène, en s’inspirant de danses gothiques des années 1980.

Sybilla NOVAK – DN MADe 1 Ho – 30 janvier 2023

Allons-nous finir dans le coté obscur ?

De la chromophobie dans notre société (La chromophobie signifie la peur des couleurs).

Il suffit de regarder autour de nous pour constater que le paysage urbain et les grands ensembles architecturaux sont démunis de toute couleur.

Dans un environnement créé par l’Homme, la standardisation des matières telles que le béton, le verre, le métal constituent la plupart des immeubles et des espaces de circulation. Le blanc, le gris, le noir sont les valeurs dominantes.

Nos sociétés occidentales auraient-elles perdu le sens de la couleur ?

Cette observation s’applique également à la mode vestimentaire, aux biens de consommation, à l’architecture, au design.

Une étude comparative réalisée par un cabinet britannique en 2010, a mis en évidence les différences frappantes, dans les manières d’utiliser la couleur dans nos sociétés occidentales. Cette étude a passé en revue plus de 7000 objets du quotidien du 1900 siècle à nos jours. Il en résulte que la couleur s’efface d’années en années de nos vies quotidiennes.

Les couleurs fortes et chaudes (rouge ; orange ; jaune) étaient utilisées très ostensiblement dans la mode vestimentaire : les uniformes d’apparat et pantalons rouge de l’armée française du début du siècle sont remplacés par des tenues « bleu horizon », puis par le style camouflage actuel beaucoup plus adapté à la situation de guerre.

Après guerre, les trente glorieuses marquent un nouvel essor qui se ressent dans la vie sociale et économique. Avec les années 50-60 : les modes de vie évoluent, la jeunesse rêve du modèle américain et un bouleversement socio-culturel se prépare.

Dans les années 70-90: c’est l’explosion des couleurs qui marquent les diversités et une créativité décuplée. Cette émulation se ressent dans le design et la mode (chez les grands couturiers /YSL, comme dans le prêt à porter ).

Puis dans les années 2000-2020, la couleur quitte le devant de la scène. Les couleurs trop marquées, trop vives expriment la vulgarité et dégoûtent. Les papiers peints «vintages » : orange à grosses fleurs des années 70, ont cédé le pas aux tons neutres et sobres.

La monochromie, la sobriété chromatique sont à la mode. Le design d’objet suit la même règle avec l’effacement graduel des couleurs. Les couleurs font fuir. Les tons beiges, écrus, blancs, noirs, gris sont plébiscités par tous les consommateurs.

« Aujourd’hui, la couleur est beaucoup plus facile d’accès qu’elle ne l’était pour nos grands-parents et nos arrière-grands-parents. De ce fait, elle a perdu un peu de sa force et de son attrait. Dès l’âge de trois ans, un enfant reçoit une boîte de feutres pour une somme dérisoire. Il a cinquante feutres et n’apprend plus à mélanger deux couleurs pour en faire une troisième. Il y a donc une perte de créativité, une perte d’attirance probablement pour la couleur. Sociologiquement, les codes – qui existent encore – ne concernent plus l’ensemble de la société. Ils fonctionnent par milieu et par micromilieu. L’historien a du mal à observer ces cycles très courts. De toute façon, cette réflexion ne concerne qu’une petite partie de la population… Le commun des mortels, il n’y a qu’à voir dans le métro, est plutôt toujours habillé de la même manière et toujours des mêmes couleurs : noir, gris, brun, bleu marine, beige… »
Michel Pastoureau – chercheur écrivain

Un univers aseptisé et froid prend possession de nos intérieurs, sans doute pour contrebalancer l’omniprésence des écrans ( téléphone, écrans ordinateurs, téléviseurs, tablettes). En effet, à tout moment, nos yeux sont hyper sollicités par les lueurs vives et criardes des écrans. Nous pouvons sérieusement comprendre qu’une overdose de couleurs puisse s’équilibrer par une absence de couleurs dans nos intérieurs.

Mais, notre génération ne serait-elle pas en train de revenir à la couleur, comme un ras-le-bol de cette tristesse monotone…?

CHASSY Louise DNMADe1 JO – Février 2023

L’art sans limite

Quand la technologie bouleverse l’industrie de l’art

La controverse entre les artistes créés par des intelligences artificielles et les artistes humains est un sujet de débat qui suscite beaucoup d’intérêt et de controverses. On peut considérer que les IA peuvent aider les artistes humains à développer de nouvelles idées et techniques, mais il est plutôt question en ce moment, d’une polémique mondiale entre ces deux parties .

Les IA artistes sont-elles une menace pour l’authenticité et la valeur de l’art et volent-elles nos artistes ?

*Illustration de l’intelligence artificielle « Midjourney » faisant gagner un concours d’art à Jason Allen au Etats-Unis.*

Tout d’abord, il faut savoir que les intelligences artificielles artistiques fonctionnent généralement en utilisant des algorithmes d’apprentissage automatique pour produire des œuvres d’art, elle est alimentée avec une quantité massive de données d’œuvres existantes, comme des images, des peintures, des illustrations, etc.

Donc la question du vol d’œuvres d’art par des intelligences artificielles est un sujet de controverse dans le monde de l’art. Certaines personnes considèrent que les intelligences artificielles utilisent des œuvres protégées par le droit d’auteur sans autorisation ni compensation pour les artistes originaux. D’autre part, certains soutiennent que les algorithmes ne peuvent pas vraiment « voir » ou « comprendre » l’art, et que les œuvres sont simplement utilisées pour l’entraînement technique.

Cela soulève des questions importantes sur la propriété intellectuelle dans un monde de plus en plus numérique, et sur la manière dont les artistes sont récompensés pour leur travail. Les débats sur ce sujet continuent et il n’y a pas de solution claire à ce jour. Il est important de travailler sur des réglementations et des protocoles clairs pour garantir que les droits des artistes sont protégés tout en permettant à l’intelligence artificielle de se développer et d’évoluer.

Haute couture créé par une IA.
(https://www.instagram.com/p/CoFPS8qthf1/?utm_source=ig_web_copy_link)

L’un des arguments les plus courants en faveur des IA artistes est qu’ils peuvent générer des œuvres d’art uniques et innovantes en utilisant des algorithmes complexes qui permettent de créer des combinaisons de couleurs, de formes et de textures inédites. Les IA artistes peuvent également s’adapter rapidement aux tendances et aux styles actuels, ce qui les rend particulièrement utiles pour les artistes en quête d’inspiration.

Cependant, certains considèrent que les IA artistes ne peuvent jamais remplacer la créativité et l’empathie humaines qui sont nécessaires pour créer de l’art véritablement significatif. Selon eux, l’art est avant tout un reflet de l’expérience humaine et de la personnalité de l’artiste, et les IA ne peuvent pas comprendre ni transmettre ces aspects importants de l’art.

Il est également important de souligner que la valeur marchande de l’art créé par des IA est souvent mise en doute. Certains considèrent que l’absence d’une personnalité humaine derrière l’œuvre rend celle-ci moins précieuse et moins digne d’être exposée dans des galeries d’art.

Illustration créé par L’intelligence « Midjourney » et avec laquelle Jason Allen à remporter la première place d’un concours d’art aux Etats-Unis.

Il est difficile de trancher définitivement sur cette question, car les avantages et les inconvénients des IA artistes dépendent en grande partie des perspectives et des opinions personnelles de chacun. Ce que nous pouvons dire avec certitude, c’est que les IA artistes sont de plus en plus présents dans le monde de l’art, et qu’il est important de continuer à explorer leur potentiel et leur impact sur la création artistique.

La question de savoir si les intelligences artificielles volent les œuvres d’art est en grande partie une question de définition. Si nous considérons que voler implique de prendre quelque chose sans permission ou sans en donner de crédit, alors il est peu probable que les intelligences artificielles soient considérées comme des voleurs. Cependant, si nous considérons que voler implique de prendre des idées ou des concepts sans crédit, alors il est possible de considérer que les intelligences artificielles peuvent voler des œuvres d’art.

Il est important de continuer à surveiller la situation et de discuter de la meilleure façon de traiter les œuvres créées par les intelligences artificielles artistiques en termes de droits d’auteur et de reconnaissance.

Illustration dans le même style que le célèbre Kim Jung Gi, créé par une IA.

En conclusion, la polémique sur les IA artistes et les vrais artistes montre à quel point les technologies peuvent bouleverser les industries traditionnelles et susciter des débats passionnés sur les valeurs fondamentales de notre société. Quel que soit votre point de vue sur le sujet, il est clair que les IA artistes sont là pour rester et qu’elles continueront à évoluer et à se développer dans les années à venir.

LANOIR Julie – DNMADE15 – Février 2023

The Line, utopie ou dystopie ?

Certains projets architecturaux, apparaissant comme futuristes, ne semblent être qu’une idée lointaine, dont on doute qu’elle aboutira un jour. Ce n’est pourtant plus le cas pour The Line, qui a vu ses travaux débuter début octobre 2022.

Vue satellite de l’excavation en cours, octobre 2022.

The line est un projet saoudien de ville écologique, qui se veut atteindre zéro émission de co2 et utiliser uniquement des énergies renouvelables pour son fonctionnement. Prévue pour accueillir près de 9 millions d’habitants, cette ville deviendrait la plus densément peuplée avec près de 260 000 personnes au km², juste devant Manille aux Philippines, pourtant 6 fois moins élevée en densité. Située dans la region de Tabuk et allant jusqu’au golf d’Aqaba, cette ville en plein désert contiendra végétation luxuriante, logements de luxe, terrains de foot, taxis volants ainsi qu’une station d’altitude destinée à accueillir les Jeux Olympiques asiatiques 2029 pour un montant total minimal estimé à 200 milliards de dollards (les estimations les plus hautes penchant plutôt pour 1000 milliards ¨!). En bref, l’Arabie Saoudite compte bien en mettre plein la vue pour assurer son avenir économique après pétrole.

Cependant ce projet pharaonique qui annonce une multitude d’innovations techniques et écologiques est en réalité tout autre.

En effet, pour réaliser The Line, l’Arabie Saoudite fait face à un problème. Le territoire prévu pour le projet est occupé par des tribus autochtones. Il faut donc impérativement les déplacer et peu importe si les autorités doivent recourir à la violence. C’est d’ailleurs comme cela que les tribunaux d’exception ont condamné à mort trois dirigeants et à 50 ans de prison cinq représentants de Howeitat, l’une de ces tribus. Et pendant que la population pauvre se voit expulser, les grandes fortunes en profitent. Le journal Wall Street a dévoilé les rémunérations faramineuses obtenues par les plus haut cadres du projet. Et ce n’est pas très étonnant que l’on découvre que ceux-ci ne sont pas des grandes fortunes saoudiennes, mais bien des Occidentaux comme Peter Terium ancien carde de RWE (societé allemande d’énergie), Tim Shorrocks ancien d’Amazon, et bien d’autres.

Sur le plan humain et écologique se trouvent bien d’autres problèmes. Un exemple très récent a pu nous mettre en aletre sur les conditions de vie des travailleurs, en effet, il est question de la coupe du monde au Qatar et ses 7 mille employés décedés au cours de la construction des stades. On peut très facilement imaginer qu’il sera de même avec ce projet, voire pire. Le chantier est plus long et en plein désert, ce qui est encore plus difficile qu’au millieu de Doha. Mais bien sur cela ne relève encore que de suppositions.

Du point de vue environnemental, pour un projet qui se veut entièrement écologique nous sommes plus proches du greenwashing. Les moyens mis en oeuvre pour construire ce projet sont si considérables que l’aspect « écologique » affiché pour l’après ne représenterait rien. La faculté d’architecture de l’Université de Nouvelle-Galles du Sud en Australie estime pour la construction un coût écologique à environ 1,8 milliard de tonnes de CO2, soit 4 fois plus que la production du Royaume Uni en un an. Et en plus de l’impact écologique, c’est la faune local qui se verra impactée. Que ce soit pour les oiseaux migrateurs de la Mer Rouge qui ne verront pas cet immense mur de verre de 500 mètres de haut ou pour les animaux au sol qui ne pourront pas le contourner.

Alors certes, ce projet est une réelle prouesse architecturale qui tente de s’immiscer au sein de l’environnement local par des jeux de reflets mais les enjeux humain, écologiques et économiques sont bien trop importants. Et ne semblent pourtant pas alerter les promoteurs saoudiens guidés par la folie de l’avant-gardisme.

Si vous voulez en savoir un peu plus sur ce projet, n’hésitez pas à cliquer ici pour visionner une analyse vidéo.

Sources :

Neom
Radio France
Le Monde
Siècle Digital
Numerama

Eve Lacroix – DNMADe1 Jo – octobre 2022

« Helianthus annuus »

Ou les tournesols…

Si vous avez entendu parler de soupe à la tomate sur des tournesols c’est que les activistes de « Just stop oil » ont réussi leur mission. Et oui ! Pour rappel, ce 14 octobre dernier, deux jeunes femme se sont introduites dans la National Gallery de Londres et ont aspergé de soupe à la tomate une œuvre de Van Gogh :

Vase avec quatorze tournesols

Petit récap’ de l’œuvre d’ont il est question aujourd’hui. Van Gogh peint cette toile avec 5 autres qu’il présente comme une série. L’amour que l’artiste porte aux tournesols lui vient de ses études du baroque flamand à Anvers. De ses Tournesols ressort une impression de vivant : certains ont cru reconnaître des yeux, une bouche, une barbe. De plus, les fleurs sont peintes à différents stades de leurs évolutions : bourgeon, ouvert, fané. On remarque aussi l’exploitation des couleurs orangées qui rappellent le soleil. L’artiste a même affirmé que cela permettait d’habiller de lumière l’hiver. Ainsi, au sein de ses tableaux, il représente la vie, la nature ainsi que le soleil.

Mais alors… Pourquoi s’attaquer à d’innocentes toiles ?!

Deux activistes du mouvement « Just stop oil »

« Qu’est-ce qui a le plus de valeur, l’art ou la vie ? »

Cette phrase résume parfaitement ce geste. Et oui ! Si tout le monde est mort à quoi ça sert d’avoir des œuvres à plusieurs milliers d’euros ? C’est suite à la déclaration de la première ministre britannique, Liz Truss, qui a laissé entendre que l’extraction de gaz par fracturation hydraulique pourrait être autorisée que le groupe just stop oil a décider d’intervenir. Just Stop Oil c’est un groupe militant pour le climat au Royaume-Uni qui utilise la désobéissance civile dans le but de s’assurer que le gouvernement britannique s’engage à arrêter les nouvelles licences et la production d’énergie fossile. Viser le tableau de Van Gogh qui représente la nature et donc la vie n’est pas un hasard !

Le groupe est créé en février 2022 et l’attaque dees tournesols de Van Gogh n’est pas la première action de cette coalition militante ! Beaucoup d’autres ont eu lieu ce mois d’octobre mais n’ont pas fait de bruit. Par exemple deux d’entres eux ont escaladé un pont autoroutier au-dessus de la Tamise, près de Londres, provoquant d’importants embouteillages ! D’autres actions on été menées et pourtant… En avez vous entendu parler ?! Le monde a retenu son souffle pour de la peinture craquelée, protégée par une vitre en verre ( les militants étaient au courant). Pourtant personne ne se souvient de cet individu défendant la même cause et qui s’est attaché à un poteau durant un match de foot en février dernier ! Comment se fait il qu’on lève plus de fonds pour la reconstruction de Notre Dame que pour la lutte contre le cancer ? Peut être que l’art a un prix potentiellement plus élevé que la vie ? A méditer…

En cette saison automnale, les actions se multiplient. Le 23 octobre c’est la statue du Roi d’Angleterre qui a été « attaquée » par une tarte à la crème. Le choix d’utiliser de la nourriture fait réagir mais surtout la manière de communiquer de Just Stop Oil (bien que cela semble être la seule qui fait du mouvement.) Malheureusement, la plupart du temps on retiendra uniquement deux personnes en colère, hors de contrôle, ont hurlé et saccagé le patrimoine culturel.

Pourtant ce n’est pas si simple! On peut avoir le plus beau des messages à faire passer, si le messager est mauvais jamais celui-ci ne passera . Les activistes semblent avoir trouvé une méthode qui fait « parler » . La société n’est elle pas encore prête pour ouvrir les yeux ? La colère est plus ou moins puissante que la diplomatie ?

Que pensez-vous de ces actions… L’espace commentaire est là pour ça 🙂

Eve.B DNMADE 2 horlo – Octobre 22

Des clichés féministes revisités par Pilar Albarracin

Diplômée de l’École des beaux-arts de Séville en 1993, Pilar Albarracín s’est imposée rapidement comme une artiste reconnue au niveau international. A travers ses œuvres, elle s’inspire des inégalités hommes-femmes présentes dans la société espagnole. Pilar Albarracin réalise des installations, photographies et vidéos, dans lesquelles elle incarne différents types de femmes. Elle se met en scène et devient paysanne, émigrante, gitane, femme maltraitée, mère au foyer ou danseuse et chanteuse de flamenco. Le rôle de la femme dans la distribution des pouvoirs constituent l’essentiel de son inspiration.

« La torera » de Pilar Albarracin (2009)

Travaillant notamment avec la broderie, ses œuvres ont souvent recours à des vêtements traditionnels andalous, costumes de torero, robe de flamenco parfois détournés. Dans l’œuvre «La torera» (2009), elle s’intéresse à la comparaison entre le monde de la tauromachie, l’idée du combat et du corps, avec l’autre monde qui est celui de la femme et de son combat quotidien. Cette mise en scène montre une image modernisée et égalitaire du monde taurin, alors que ce milieu est traditionnellement machiste. Une majorité de ses œuvres dénoncent une domination qui oppresse avant tout les femmes.

Selon ses propres mots, de nombreuses pièces de Pilar Albarracín ont trait à la place de la femme dans la cité. Elles mettent souvent en jeu son propre corps et l’espace urbain, afin de créer des effets de décalage. Dans sa pièce Viva España (2004), elle marche dans les rues de Madrid suivie par une fanfare. Un défilé qui se transforme progressivement en scène de harcèlement de rue, l’artiste est soudainement obligée de prendre la fuite, poursuivie par une horde d’hommes.

Pour faire passer ses messages elle utilise un décalage sarcastique. Aujourd’hui, ses œuvres sont présentes dans les collections du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, de la Fondation Louis Vuitton, et au Musée d’art contemporain de Castilla y Leon en Espagne. Elle a également participé au projet «Femmes en lumière», une journée de réflexion sur la visibilité des femmes artistes dans les arts visuels. Proposé par l’Institut français de Séville en mars 2022.

Julie Michelin – DNMADE 1 Jo – Octobre 2022

Sources: https://www.galerie-vallois.com/artiste/pilar-albarracin – www.pilaralbarracin.com

Un animal peut-il faire de l’art ?

Prenons l’exemple de Desmond Morris. C’est un zoologiste et peintre surréaliste anglais qui a consacré sa vie à démontrer qu’on peut apprendre à un singe à peindre.

De 1956 à 1959, Desmond effectua des ateliers de peinture avec Congo qui finit par s’intéresser à l’activité . «Congo devenait de plus en plus obnubilé par ses séances régulières de peinture. Si j’essayais de l’arrêter avant qu’il ait fini une toile, il se mettait à hurler. Si j’essayais de le pousser à continuer à peindre alors qu’il considérait avoir terminé, il refusait sans concession», raconte le scientifique.

Congo avait, selon le zoologiste, un sens de la composition et de l’équilibre aiguisé et était maître de sa production. Il peindra plus de 400 toiles, qui attirent rapidement la curiosité du monde de l’art.

30e séance de peinture, 11 décembre 1957

En effet, ses peintures ont suscité un engouement tel qu’en 1957, l’Institut d’Art Contemporain de Londres expose une grande partie de ses toiles se classant dans le style « expressionniste abstrait ».

Desmond publie un livre intitulé « The Artistic Ape » en 2013 suite à son expérience avec Congo.
Malgré sa volonté de se séparer des peintures et dessins réalisés par Congo, Desmond Morris ne s‘est pas résolu à vendre « Split Fan Pattern with Central Black Spot » qui signifie « Motif en éventail fendu avec tache noire » que Congo a réalisée en 1957. Pour la première fois, le chimpanzé modifie son motif en éventail classique. C’est un geste que les singes font lorsqu’ils étalent des feuilles pour faire leur nid.
C’est la première fois que Congo prend une décision purement artistique, ce qui montre, selon Desmond Morris, un désir d’organiser des modèles visuels.

Des lors, nous pouvons nous demander si l’animal a réellement conscience de ses décisions artistiques ou s’il a fait preuve d’Instinct ?

L’instinct se définit par une part héréditaire et innée des tendances comportementales des animaux ou comme une impulsion souvent irraisonnée qui détermine les actes et les comportements.
Cela peut également être un don ou une aptitude à sentir ou à faire quelque chose comme par exemple avoir l’instinct du beau.

La conscience est une connaissance intuitive que chacun a de son existence et de celle du monde extérieur.
En psychologie cela se décrit comme une fonction de synthèse qui permet à un sujet d’analyser son expérience actuelle en fonction de la structure de sa personnalité et de se projeter dans l’avenir.

Dès la naissance, les animaux ont des comportements innés, c’est-à-dire qu’ils agissent de manière instinctive, sans réfléchir.
En sachant la définition de ces deux termes, on peut en déduire que Congo faisait en réalité plus preuve d’instinct lorsqu’il a modifié sa composition en forme d’éventail classique pour imiter les feuilles du nid.

En ce qui concerne ses autres toiles, nous pouvons également nous demander si son art ne provient pas d’un comportement acquis.

Un comportement qui a nécessité un apprentissage est un comportement acquis. L’animal apprend de différentes façons. Il peut apprendre en prenant des habitudes dues à la répétition d’un comportement, par imitation en apprenant les gestes d’un animal ou humain maîtrisant un comportement ou encore par imprégnation ou l’animal ne peut se défaire d’un premier objet qu’il perçoit.

Plus le système nerveux central d’un animal sera développé, plus il sera en mesure de faire de nouveaux apprentissages, les emmagasinant dans sa mémoire.En analysant les propos de Desmond à l’égard de Congo on peut facilement comprendre qu’il s’agit d’un comportement acquis.
En effet, le singe ne s’est jamais détaché de son matériel de peinture, il répétait souvent l’acte de peindre et était accompagné de Desmond. Nous pouvons donc conclure qu’il a, dans un premier temps, acquis son comportement en imitant l’humain puis en répétant des habitudes.

Lisa BRIDAY DNMADE Jo 2 – Décembre 2022

Thérapie sur le genre humain

Dans cet article nous allons faire la découverte d’une série qui, selon moi, a totalement chamboulé le monde de l’animation tel qu’on le connaît maintenant.

Jamais un animé n’aura aussi bien représenté notre société, il fait mal, il fait peur.

^{Devilman Crybaby est une série animée japonais dessinée par Masaaki Yuasa et écrite par Ichirō Ōkouchi en 2018. Elle est une reprise du manga Devilman de Gō Nagai (1973).}

Synopsis: Akira Fudo est informé par son meilleur ami d’enfance, Ryo Asuka, que l‘ancienne race des Démons prenant possession du corps des humains pour les posséder, est revenue sur Terre. Croyant que la seule façon de vaincre les Démons est de prouver leur existence aux humains, Ryo suggère à Akira de l’accompagner pour voir des Démons prendre possession d’humains. Fusionnant lui-même à Amon, le Seigneur des Démons, Akira se transforme en Devilman, un être humain ayant les pouvoirs d’un Démon tout en conservant son propre cœur très sensible aux autres.

Dans ce monde possédé par le vice, on retrouve des points très forts qui marquent les esprits ; visionnaire, émouvante, terrorisante, tragique ou encore déroutante, on y retrouve une forme de désespoir comme si l’homme était condamné à sa perte.

Les auteurs de la série ont été confrontés aux problématiques sociales et politiques du monde contemporain à l’instar du manga de Go Nagai témoignant de réalité de la guerre froide, de la montée en puissance du nucléaire ou encore de la libération des mœurs. Okouchi suit cette évolution en abordant les vices de la société actuelle. Le point central étant l’Homme, sa cruauté et son désir inconscient du chaos, on retrouve, par conséquent, des choix neufs, audacieux et surtout choquants contrairement à la plupart des mangas.

Connu pour des productions considérées comme des monuments dans l’animation japonaise, Masaaki Yuasa offre à l’œuvre un aspect visuel atypique exceptionnel. A première vue, jugé pour son aspect graphique peu attirant, Masaaki parie sur un style très simpliste ce qui donne plus d’impact sur le dynamisme et plus de liberté le poussant à briser les codes visuels et à prendre des risques. Il nous propose des mouvements et plan visuels uniques pour une expérience aussi marquante que l’œuvre en elle-même.

Jouant sur un espoir constamment inabouti, il est reçu pour les spectateurs telle une claque nous faisant revenir à ce qui nous entoure quotidiennement. La série nous offre une réflexion intense sur notre vie en communauté notamment grâce au sport évoqué tout au long de l’histoire, l’athlétisme qui se traduit par une quête de dépasser les autres, d’être supérieur et le besoin d’être reconnu. Son réalisme nous fait prendre conscience de notre société actuelle et la cruauté de l’humanité dans sa quête de la réussite individuelle.

Julie LANOIR – DNMADE 1 Jo – Octobre 2022

« Art or Life ? »

« Qu’est-ce qui a plus de valeur ? L’art où la vie ? » ce sont les paroles d’une des militantes écologies qui ont jeté de la soupe sur le tableau de Vincent van Gogh. Cruauté ou courage ?

Le vendredi 14 octobre, des militantes écologistes ont jeté de la soupe sur le tableau les Tournesols de Vincent van Gogh conservé à la National Gallery de Londres, elles se sont ensuite collées au mur. Ces militantes font partie du mouvement « just stop oil » qui milite pour l’arrêt de nouveau projet pétrolier ou gazier.

Ce n’est pas la première fois que l’art est pris pour cible par les éco-activistes. En juin dernier, deux militants se sont collés à un autre tableau de Van Gogh dans le même musée, mais également en Allemagne au musée Barberini sur un tableau de Monet.

Pourquoi l’art ?

Ce genre d’action a pour but de choquer la population pour ensuite faire parler, avoir l’attention des médias sur une cause, mais le problème c’est qu’en s’attaquant à une œuvre on ne parle que de la forme et non du fond à savoir la cause écologique. L’une des militantes pose une question rhétorique demandant de choisir entre l’art et la vie humaine dans le but d’éclairer une inaction climatique cependant, il est évident qu’il n’y a pas à prioriser l’un sur l’autre.
Il est vrai que s’attaquer à l’art pour attirer l’attention des médias est un bon cheminement de pensée, car le capital culturel se trouve également chez les personnes qui pratiquent l’information.
Certaines personnes penseront que c’est horrible de s’attaquer à l’art, que ça n’a aucun sens et qu’il y a bien d’autres solutions pour alerter la population. Toutefois, des études, des documentaires et débats scientifiques nous alertant sur l’ampleur de la crise écologique sont totalement accessible sur les médias et pourtant, il y a encore des choses aberrantes que l’homme continue de faire en particulier quand on parle de JO ou de coupe du monde de football si vous voyez où je veux en venir… Ainsi comment pouvons-nous rendre les actions écologiques instinctives et naturelles pour l’homme quand on voit que des multinationales sont capable du pire…

Radicalisme ou extrémisme ?

Qualifier cet acte de radical reviendrait à dire que l’art est à l’origine de la crise écologique, or ce n’est pas le cas.
Ces actes pourraient être à la limite de l’extrême cependant, ils s’attaquent toujours à des œuvres qui sont protégées, mais l’acte en soi reste violent. Le plus important ne serait-il pas que le message soit passé et que rien d’important n’ait été endommagé ?
Greta Thunberg (militante écologiste suédoise) s’exprime à ce sujet sur France inter : « Être activiste ça peut être quelque chose de très violent, tout dépend où l’on se trouve dans le monde, j’ai de très nombreux amis qui risquent l’arrestation, qui risquent de perdre la liberté tout simplement parce qu’ils protestent publiquement. Je suis consciente d’être très privilégié donc je porte une responsabilité plus importante que les autres et je me dois d’être militante parce que je suis moins confrontée aux risques que d’autres personnes et c’est à chacun d’en décider. »
Ne serait-ce pas un acte de courage de s’exposer à des risques pour faire avancer la cause écologique ? Ces actes ne plaisent pas à tout le monde mais n’ont ils pas le mérite d’exister et de faire parler ?

Je vous invite à aller voir la vidéo des faits : https://youtu.be/akd8vP0J3qI

Léna Bonneau – DNMADe2 Horl – Octobre 2022

La carcasse comme Muse ?

La peinture de carcasse animalière est apparue avec la peinture flamande et la peinture hollandaise du XVIIème. A cette époque, elle fait l’éloge de l’abondance et de la richesse car qui pouvait contempler de la viande avait de grands moyens.

Aujourd’hui, c’est à se demander comment se rendre compte de la rareté et de l’impact d’un produit quand une galette de légumes a le même prix qu’une escalope de viande. Mais je m’égare, là n’est pas le sujet de cet article.

Revenons-en à la peinture de carcasse. Aussi morbide soit-elle, elle a ce lyrisme transcendant qui répugne mais séduit par sa véracité.

 "Au fond, personne ne croit à sa propre mort, 

et dans son inconscient, chacun est persuadé de son immortalité." (FREUD)

Rembrandt se servira de la peinture de carcasse comme memento mori . Il peindra Le bœuf écorché et viendra rompre avec la peinture traditionnelle hollandaise en choisissant une représentation plus dramatique et abstraite de la carcasse. Il ne sera plus question de montrer l’opulence mais bien de signifier à l’Homme sa mortalité .Il s’oppose ainsi à la classique nature morte ,douce et insinuée, en choisissant de représenter la putridité dans son aspect le plus évocateur.

Malgré tout, cette œuvre reste poétique par la présence d’une femme en arrière plan qui semble être actrice mais aussi spectatrice de la scène. Ce jeu de disposition dans l’œuvre donne l’impression que la carcasse, mise en lumière, est en réalité un tableau viscéral exposé qu’il faudrait admirer pour sa beauté. L’obscure arrière boutique devient théâtre de la crucifixion du bœuf.

Un spectacle tout de même dérangeant non? Vous n’avez encore rien vu. Pour les âmes sensibles, choquées par cette œuvre, je vous conseille de faire demi-tour et de renoncer à lire la suite car les limites de l’art n’étaient pas encore frôlées. Préparez-vous !

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The Poison Squad ou La brigade des empoisonnés volontaires …

Ces derniers jours, nos médias nous alertaient sur les nombreux scandales alimentaires liés aux industriels du secteur qui ne respectent pas si bien les normes d’hygiène établies pour la sécurité des consommateurs, mais ces scandales sont-ils le reflet de notre époque ou ont-ils toujours existé ?…

C’est alors que je me suis rappelé le visionnage d’un très bon documentaire Arte il y a quelques années sur une mystérieuse brigade menée par Harvey Willey, chimiste américain (1844-1930). Nous sommes alors à la fin du XIXème siècle, certains pays comme la France, l’Allemagne ou la Grande Bretagne possèdent déjà quelques législations alimentaires permettant de contrôler l’origine et la qualité d’un produit industrialisé. Harvey se trouve justement en France et celui-ci est frappé par le contrôle exercé, il est vrai qu’aux États-Unis l’état ne s’intéresse pas aux pratiques des industriels, par désintérêt mais aussi par intérêt et pourtant la vérité n’est pas si flatteuse …

Harvey Washington Wiley

De retour dans son pays, Harvey n’a plus qu’une obsession, découvrir cette vérité. Le moins que l’on puisse dire c’est qu’il ne sera pas déçu, et bien qu’il fasse découverte sur découverte l’état américain rejette ces demandes et craint le scandale. C’est alors qu’Harvey émet l’idée brillante d’associer les journalistes du Washington Post à son combat, avec eux pas moyen que les américains continuent de manger en ignorant ce qu’ils ont dans l’assiette.

1902, Harvey Wiley passe une annonce bien particulière dans les journaux, il cherche 12 volontaires pour expérimentations alimentaires en échange de repas gratuit (après la guerre de Sécession bon nombre d’américains n’ont plus les moyens de s’alimenter il y aura plusieurs centaines de candidats). Les 12 volontaires sont vite trouvés, le chimiste les choisit de bonne condition physique, robuste et jeune pour ne pas influencer les résultats. Le groupe est divisé en deux, ceux qui recevront de la nourriture empoisonnée et ceux qui recevront une nourriture saine, aucun des hommes ne sachant dans quel groupe il se trouve. Les résultats apparaissent très vite : douleurs digestives, nausées, troubles neurologiques,…

Journalistes et lecteurs se passionnent pour le Poison Squad et bientôt l’opinion publique manifeste pour que des mesures soient prises. Ils seront rejoints par les groupes hygiénistes féminins et les femmes activistes comme sa femme, Anne Kelton Wiley (1877-1964) qui distribueront prospectus, feront des campagnes de sensibilisation dans les milieux sociaux défavorisés. Nous sommes maintenant en 1906, le congrès adopte le Pure Food and Drug Act après le soutien du président Roosevelt. Grâce aux efforts et à l’acharnement d’Harvey Washington Wiley, les industriels sont désormais contraint à la transparence auprès du grand public.

The Poison Squad presque au complet entouré par Harvey W. Wiley

Alors maintenant je peux vous révéler quelques découvertes d’Harvey mais je vous préviens, ayez l’estomac bien accroché ! Vous aimez les petits-pois ? Ceux-ci étaient bien verts grâce au sulfate de cuivre (qui sert désormais à nettoyer nos piscines). Le miel et le sirop d’érable du Vermont ?.. du sirop de maïs. La plupart des alcools étaient coupés au bitume, le lait était blanc comme neige à l’aide de craie et de conservateurs servant à l’embaumement des corps… et l’une des affaires les plus tragiques concerne un produit très apprécié des enfants depuis son invention : le bonbon.

Au XIXe siècle la mode est aux bonbons colorés qui attirent l’œil des enfants sur le comptoir des épiceries. Pour obtenir un vert bien éclatant les industriels utilisaient un pigment vert inventé par un chimiste, Wihelm Scheele composé de potassium, arsenic blanc et cuivre. Vous voyez déjà l’absurdité ? Bientôt des enfants ressentiront de violentes nausées et certains ne survivront pas. Une ordonnance parisienne en 1830 interdit l’usage de ses substances, les stocks sont nombreux et les industriels envoient les bonbons en province (les contrôles ayant rarement lieu en Province) où ils feront encore des victimes.

Les scandales alimentaires lié aux industriels sont donc nés avec ceux-ci qui encore aujourd’hui doivent répondre de leurs agissements souvent à déplorer. Pourrons-nous un jour faire totalement confiance à l’agro-alimentaire ou à nos services de sécurité sanitaire ? L’état est-il vraiment transparent avec nous ? Des questions auxquelles je compte mener une enquête… à suivre !

Pour poursuivre le débat :

– France Culture, Le Journal de l’Histoire : « Poison Squad ou l’avènement d’une conscience face à l’industrie agro-alimentaire »

– Arte, « La brigade des empoisonnés volontaires », John Maggio, 2019

Je vous conseille aussi le blog d’Amusidora et son article « Histoire macabre de la couleur verte » pour comprendre l’ampleur de l’usage d’un vert arsenic dès le début du XIXe siècle.

Diane C. – DNMADe1 JO – Avril 2022

Catégorie : Débats de société