On est toujours intéressé par le lisible et le scriptible, dans la définition qu’en donne Roland Barthes dans un texte sur Mobile de Michel Butor : « Enfin, à l’exigence classique d’unité et de continuité se substitue le principe de la fragmentation systématique – du flux narratif, de la cohérence syntaxique, de l’uniformité typographique –, l’œil et l’esprit du lecteur se trouvant du même coup contraints à un perpétuel déplacement. Dès lors, ce n’est plus à une œuvre close et achevée que nous avons affaire, mais à un work in progress réclamant moins une lecture, en somme, qu’une écriture. Et c’est là peut-être que réside le véritable coup de force de Butor : dans l’obligation faite au lecteur de construire lui-même son propre parcours (du livre comme du territoire), bref, de se faire, à son tour, écrivain. »
On retrouve dans SZ une référence au lisible et au scriptible, qui laisse la part belle à la relation entre l’auteur et le lecteur : « Pourquoi le scriptible est-il notre valeur? Parce que l’enjeu du travail littéraire (de la littérature comme travail), c’est de faire du lecteur, non plus un consommateur, mais un producteur de texte. Notre littérature est marquée par le divorce impitoyable que l’institution littéraire maintient entre le fabricant et l’usager du texte, son propriétaire et son client, son auteur et son lecteur. Ce lecteur est alors plongé dans une sorte d’oisiveté, d’intransitivité, et, pour tout dire, de sérieux : au lieu de jouer lui-même, d’accéder pleinement à l’enchantement du signifiant, à la volupté de l’écriture, il ne lui reste plus en partage que la pauvre liberté de recevoir ou de rejeter le texte : la lecture n’est plus qu’un référendum. En face du texte scriptible s’établit donc sa contre-valeur, sa valeur négative, réactive : ce qui peut être lu mais non écrit : le lisible. Nous appelons classique tout texte lisible. »
S\Z, Éditions du Seuil, 1970, collection « Tel quel «, p. 10.
29 x 22 cm, fermé
Photograhie BNF
Irrégulomadaire est co-produit par Design Dept, 2000
Photogravure Open Graphic, Montreuil, Impression Snoeck-Ducaju & Zoon, Gand
Irrégulomadaire est une série de publications irrégulières. Ce numéro 5 qui s’intitule « Comment on fait pour faire les choses ? », recense dans l’ordre alphabétique diverses activités, évoquées chacune par un auteur différent.
L’agence Graphéine présente leur étude pour ILEX, Agence de paysage et d’urbanisme, en associant textes, images fixes, présentations en mouvement, animations….
C2.1 : Utiliser les outils numérique de référence et les règles de sécurité informatique pour acquérir, traiter , produire et diffuser de l’information ainsi que pour collaborer en interne et externe.
UEl5 EC 15.4 Démarche de recherche en lien avecla pratique de projet
C2.2 Identifier, sélectionner, organiser diverses ressources spécialisées et vérifiées, pour documenter un sujet
Pour la sortie de leur nouvel ouvrage «Fully Booked : Ink on Paper», les éditions Gestatlen, organisent une exposition dans leur espace, à Berlin, du 14 mars au 21 avril 2013 sur les beaux livres.
Une expérience Tactile, oui !
Des supports imprimés innovants dans leurs formes.
Un tour d’horizon des techniques
Parmi les ouvrages présentés, certains se focalisent sur la présentation de l’objet, sur la couverture, avec des choix d’impression particuliers (sérigraphie, vernis sélectif, absence de massicotage), un livre niché dans un autre plus gros, une couverture-objet, ou encore une reliure apparente… D’autres s’attardent davantage sur la mise en page, avec l’insertion d’intercalaires, de photos argentiques volantes, l’utilisation des techniques de pop-up, d’encarts qui se déplient, de la découpe laser, de perforations … Cette exposition offre un panorama des possibilités de l’imprimé.
Georges Rousse est un plasticien et photographe qui travaille dans des espaces abandonnés
Son travail photographique est l’unique témoin attestant de son passage. Ses photographies font œuvre d’épitaphe pour les lieux disparus, sorte de double éloge à l’espace détruit ; à la fois grâce à l’œuvre elle-même puis à travers la photographie qui perdure.
Ses œuvres éphémères jouent avec l’espace et le vide, pour former une surface faussement plane qui ne sera parfaite que depuis l’angle de son objectif photographique.
Felice Varini travaille dans des lieux publics, en prenant soin de ne pas préciser l’angle du point de vue privilégié pour voir l’anamorphose. Certains peuvent ne voir que des formes abstraites quand d’autres trouveront le point exact pour voir apparaître les formes géométriques. Un chasse à l’œuvre qui requiert un œil aiguisé.
Cette vidéo rassemble des extraits de la série Contact concernant Alain Fleischer
Alain Fleischer est obnubilé par l’image miroir, captée grâce à des artifices qui la font se refléter, se distordre avant d’être dé-livrée.
Ainsi, un creux, un trou noir, temps vide, se crée entre la réalité et l’image, une prise de recul qui tente de restituer le réel.
Jeu d’enfant – adulte jouant
Le jeu consiste a utiliser un jouet mécanique pour transporter un nu de maître. Ainsi distordu mais reconstitué dans temps qu’il nous faut pour le regarder, mêlant l’oeuvre toujours renouvelée, et notre quotidien toujours fuyant.
Happy days with La Maja, 1986, Alain Fleischer
Autoportrait dans une lame de couteau
Ici encore l’objet du quotidien est convoqué pour dé-livrer une image re-tranchée, dans une composition exsangue.
Vous devez présenter votre meuble pour votre diplôme. Plusieurs choix s’offrent à vous : présenter votre contexte, mettre en valeur votre problématique, ou une caractéristique de votre projet…
Contrairement à d’autres marques, ce jouet ne met pas en scène des héros mais des personnages anonymes et “normaux”. Des métiers des images d’Épinal, la marque s’intéresse à l’histoire mais bannit toute représentation de violence et de sexualisation.
Au fil du temps, la figurine perd son nom de “Klicky” pour adopter celui de la marque Playmobil (play-mobile). C’est d’ailleurs cette mobilité qui fait son atout. La figurine est articulée et modulable (ce qui lui permet de s’adapter à un décor, et de se décliner sous plusieurs formes). La neutralité de la figurine permet également une identification et une projection des enfants dans des jeux de rôle.
Communiquer du sens par la composition – l’exemple des composit!ons sonores
Le rythme est une composante commune des oeuvres musicales et plastiques figuratives comme abstraites. Dans la Ronde de nuit de Rembrandt (1642), on imagine derrière le battement du tambour, et les conversations, le brouhaha de fond, et les lances qui s’entrechoquent.
Les avant-garde de l’entre-deux guerres
Kandinsky – l’abstraction
Pour un salon de musique (ci-dessous), Kandinsky, représente la simultanéité des phrases musicales, par des formes, des lignes colorées, se déployant rythmiquement sur l’espace des murs dans une composition dynamique.
Composition abstraite pour un salon de musique – Kandinsky – 1931
Avec Point, ligne, plan, publié en 1926, Kandinsky élabore méthodiquement une théorie de l’abstraction où les éléments géométriques élémentaires, le point, la ligne, le plan, sont mis en relation. Tous ces éléments formels de l’œuvre évoquent chez le spectateur des sentiments différents que l’artiste veut ici analyser de manière presque scientifique. Si le point, « élément premier de la peinture », peut prendre plusieurs formes et « résonner » différemment dans le plan, la ligne a deux qualités substantielles : la « tension » et la « direction ». Il en va de même pour les formes et les couleurs qui, après un test mené auprès de ses étudiants pour vérifier le caractère scientifique de l’expérience, se trouvent associées dans cet ordre : le cercle au bleu, le carré au rouge, le triangle au jaune
Pour la voix (ci-dessous), est un recueil de poèmes de Vladimir Maïakovski (1893–1930), publié à Berlin en 1923 en collaboration avec l’artiste El Lissitzky. Les poèmes, destinés à être lus à voix haute, abordaient des thèmes chers à Maïakovski durant la période suivant la Révolution russe de 1917, tels que la colère à l’encontre de la bourgeoisie oisive et blasée, la compassion pour la lutte des gens du peuple et l’appel à une « armée des arts » pour combattre l’ordre ancien.
Extrait du recueil de poème « Pour la voix, El Lissitzky – Maïakovski
Chaque poème est accompagné d’une composition visuelle dynamique dans laquelle les éléments géométriques sont imprégnés d’une signification symbolique. Les lettres imprimées en tons rouge et noir deviennent des signes graphiques, contribuant à l’identité de chaque poème.
Extrait de https://www.wdl.org/fr/item/9609/
L’esthétique fonctionnaliste des années 50
Le graphisme suisse des années 50
Josef Müller-Brockmann travaille ses compositions à partir d’un tracé régulateur. Ses affiches pour le Zürich Tonhalle, mettent en évidence le rythme des compositions musicales qui ont aussi à voir avec les mathématiques (voir l’analyse de l’affiche Beethoven ci-dessous).
Analyse de la composition de l’affiche Beethoven de Josef Müller Brockmann – 1955 – Extrait de Géométrie du design – Kimberly Elam -ed. Eyrolles
L’évocation de l’espace dans lequel se déploient les thèmes musicaux est lié à la structure de la composition dans un tracé régulateur, qui même si il n’est pas visible est compréhensible. Les 2 animations récentes ci-dessous, dé-montrent le dynamisme de ces constructions.
L’agence Graphéine, pour le logo des Frivolités Parisiennes, communique visuellement à la fois la légèreté du répertoire de L’Opéra comique, mais aussi sa technicité, le sérieux au service du divertissement. Tout semble « F » comme facile, mais tout est pensé et construit.
Ou comment l’esthétique fonctionnelle des années 50 perdure dans les années 60-70
Un objet fonctionnel est pensé :
pour être fabriqué industriellement
pour répondre honnêtement à sa fonction d’usage
il porte l’esprit de son époque
Qu’en est-il du tabouret TAM TAM de Henry Massonet enplastique moulé, datant de 1968 ?
1 Les nouvelles matières plastiques
Déjà dans les années 50 les designers travaillent les matériaux plastiques qui ont bénéficié des recherches faites pendant la guerre.
Charles Eames pour son fauteuil DAR utilise le polyester renforcé de fibre de verre. La forme est conçu rationnellement en fonction du procédé de fabrication : coque sans contre dépouille, et de son usage, forme enveloppante pour le confort d’assise. Même si on peu trouver que les couleurs sont un peu ternes et la fibre de verre est visible, la matière tributaire de la technologie employée, s’expose honnêtement.
La fibre de verre est placé dans un moule, enduite de résine et compressé.
Dans les années 60-70, les propriétés des nouveaux polypropylènes et la technologie de l’injection dans un moule, permettent de réaliser des pièces plus colorées, et plus rapidement des pièces monoblocs.
Schéma de l’injection des polymères dans un moule Le Tamtam de Henry Massonet a été conçu rationnellement par rapport à ce système de production : formes creuses et système d’emboitement sans contre dépouille, économie de moule : 1 moule pour les 2 pièces du piétement, et 1 moule pour la galette de l’assise.
Vue du système d’emboîtement et des différentes pièces du Tamtam d’Henry Massonnet
En cela il est une icône du design fonctionnel. Mais aussi parce qu’il répond simplement et honnêtement à sa fonction d’usage.
2 La fonction d’usage
A l’origine, le Tamtam est un tabouret pour pêcheur, léger, facilement transportable, peu encombrant lorsque les 2 pièces du piétement sont empilés, il a aussi la bonne hauteur d’assise.
Rapidement, il devient un meuble de salon, tabouret, table d’appoint, à la simplicité formelle sculpturale. Brigitte Bardot l’adopte.
Mais son coût peu élevé et son faible encombrement, en feront aussi le siège des jeunes générations désargentés, et des petits logements.
Car un tabouret, c’est l’assise minimale, qui même si son confort est minimum, n’entrave pas le corps.
Le tabouret Butterfly, porte d’ailleurs ce désir de mouvement dans son nom.
Il est conçu rationnellement, comme le Tamtam pour une technologie particulière de fabrication, celle du contreplaqué moulé.
Cette technologie explorée avant-guerre en particulier par Alvar Aalto pour le Paimio et pendant la guerre par Ray et Charles Eames pour des attelles en particulier, va tirer profit de la mise au point de colles de synthèse plus performantes, qui permettent une tenue des plaques cintrées sans rivetage.
Paimio – Alvar Aalto -1932
Attelle – Ray et Charles Eames, 1940
Attelle – Ray et Charles Eames, 1940
La forme du Butterfly avec ses 2 pièces similaires aériennes, assemblés et maintenues par une entretoise en fait la démonstration.
Le désir du design fonctionnel, d’atteindre l’unité de la forme, pour rationalisé la fabrication et avec pour objectif un idéal formelle, s’avèrera possible grâce aux nouveaux matériaux et aux nouvelles technologies.
Pour Jacques Vienot, dans les années 5O, pionnier du design industriel et créateur du bureau d’étude industriel Technès, les canons de l’esthétique industrielle, qu’il décrit dans sa charte pour « la beauté utile », implique « une harmonie intime entre le caractère fonctionnel et l’apparence extérieure ».
« Il n’est de beauté industrielle que d’ouvrages parfaitement adaptés à leur fonction (et reconnus techniquement valables), l’esthétique industrielle implique honnêteté et sincérité dans le choix des matières ou matériaux employés. »
Le contreplaqué moulé des années 50, va bénéficié des qualité des résines mises au point et des expérimentation menées pendant la guerre, pour générer des formes alliant la chaleur du bois et la simplicité formelle issue du moulage, comme la Lounge Chair de Charles Eames dessiné en 1956
A la fin des années 60, Dieter Rams énoncera les 10 points pour un bon design qui vont dans le même sens et définissent le travail des designers à la recherche d’une définition du bon design.
Les nouvelles matières plastiques vont permettre de créer des objets utiles, ronds, colorées et peu couteux comme le Tamtam d’Henry Massonet, dans une société qui bénéficiaient de la forte croissance économique de l’ après-guerre : reconstruction, plein emploi, croissance de la production industrielle, babyboom.
L’esthétique ludique des objets de cette époque, est caractéristique de l’hédonisme et du non-conformisme de l’époque comme le Cubo de Marco Zanuso et richard Saper… Légèreté, couleur, brillance et miniaturisation ont permis de répondre à l’aspiration des usagers à plus de liberté.
Brionvega Cubo 1964
Brionvega Cubo 1964
Brionvega Cubo 1964
Marco Zanuso , Richard Sapper pour Brionvega Cubo 1964
